PATINAZO A LA GLORIA

Director: Josh Gordon, Will Speck
Actores: Will Ferrell, Jon Heder, Amy Poehler, Will Arnett
Calificación: 8 /10










Después de semanas con estrenos de comedias sin gracia ('Los líos de Gray', 'Chuecatown', 'Café solo o con ellas', 'Another gay movie'), por fin se estrena una realmente divertida, con cómicos de talento, situaciones graciosas y gags elaborados.

'Patinaje a la gloria' funciona como vehículo para la comicidad desatada de la pareja Will Ferrell/Jon Heder, como divertida parodia de las película de deportes y como caricatura de los modos y (a)maneras del patinaje artístico.

Toda una apoteosis del kitsch, de la puesta en escena hortera y petarda, que, a pesar de su esquematismo argumental, simplón y esquelético, resulta tan divertida como efectiva.

Lo mejor: Los dos actores protagonistas y lo delirante y petardo de la propuesta.

Lo peor: Algunos recursos de guión demasiado facilones (cuando la mala le confiesa a Jimmy que obligó a su hermana a acostarse con Chazz).

Momentazo: Los números de patinaje (los dos primeros en solitario y los dos juntos), la persecución final y la consecución de "el loto de hierro".

MALA NOCHE

Director: Gus Van Sant
Actores: Tim Streeter, Doug Cooeyate, Ray Monge
Calificación: 6 /10










La primera película de Gus Van Sant está llena de defectos, de las imperfecciones propias de una opera prima realizada con más ganas que dinero: mal interpretada, peor doblada, de ritmo irregular y vacilante.

A pesar de ello, 'Mala noche' es una película llena de destellos, de detalles que deslumbran por su expresividad y belleza. Gus Van Sant contagia al espectador sus ganas de rodar, su entusiasmo a la hora de capturar con la cámara la belleza homoerótica de sus protagonistas, fotografiados en un contrastado blanco y negro, metáfora del (des)encuentro entre opuestos: homosexual/heterosexual, piel blanca/piel negra, casa/calle, mejicano/norteamericano.

En suma, un titubeante debut anticipo de sus posteriores logros como cineasta.

Lo mejor: Su frescura e imperfecta belleza.

Lo peor: Las interpretaciones de los "actores" y el doblaje posterior al no rodar con sonido directo.

Momentazo: El viaje por carretera. Todo un precedente estético de la posterior 'Mi Idaho privado'.

MISIÓN IMPOSIBLE 3

Director: J.J. Abrams
Actores: Tom Cruise, Ving Rhames, Michelle Monaghan, Jonathan Rhys Meyers
Calificación: 5 /10




La franquicia 'Misión imposible' parece agotada. Eso es lo que se deduce después de ver esta descafeinada tercera parte. No es que la segunda fuera muy buena (la buena, y mucho, era la primera), pero por lo menos era divertida y desvergonzada, una delirante macarrada Semana Santa fallera incluida.

'Misión imposible 3' es una película sosa, insustancial, sin personalidad. Ni siquiera es mala, es... anodina. Una de tantas producciones fast food envasadas al vacío que te quitan el hambre pero no saben a nada. Se nota demasiado que J.J. Abrams, el creador de 'Perdidos', ha sido un muñeco en manos de los productores, que su capacidad de decisión ha estado muy limitada. (Joe Carnahan, director de la estupenda 'Narc', dimitió por esa razón)

La película tiene todo lo que te puedes esperar. Pero ese el problema, que todo te lo esperas, que nada te sorprende. Las escenas de acción son más aparatosas que emocionantes, la intriga brilla por su ausencia y la caracterización de los personajes es inexistente. Desde aquí proponemos a Tom Cruise y Michelle Monaghan a los próximos razzies como pareja con menos química desde Hayden Christensen y Natalie Portman en 'Star Wars'.

Lo mejor: La secuencia de la elaboración de la careta. Es la única que te sorprende un poco.

Lo peor: Su corrección política (¡hasta el malo fuma!) y la cursi historia de amor (por llamarlo de alguna manera) entre Ethan Hunt y su ñoña novia.

Momentazo: Toda la secuencia en el Vaticano. Es la única divertida, con acción de calidad y elaborada intriga.

HARD CANDY

Director: David Slade
Actores: Patrick Wilson, Ellen Page, Sandra Oh
Calificación: 5 /10









El debut en la dirección de David Slade se salda con una discreta nota, un aprobado raspado. 'Hard Candy' es un filme tan interesante en sus planteamientos como irregular en su resolución.
La película empieza con fuerza, atrapando al espectador en una trama que engancha por la información que se nos escamotea, por las preguntas que plantea la ambigua relación entre los dos personajes.
Pero una vez desvelado el juego de las apariencias, que sabemos quién es quién y los motivos de su relación, la película se convierte en una rutinaria historia de venganza, en un inverosímil toma y daca entre los personajes por culpa de un guión lleno de lagunas.
Por ejemplo (no sigas leyendo si no la has visto): ¿Cómo puede una niña de catorce años trasladar el cuerpo inerte de un hombre de treinta y dos, sentarlo en una silla, colocarlo encima de una mesa, ¡de pie en otra silla!?

Lo mejor: lo sugestivo de su propuesta, una estimulante variación de thriller psicológico con dos personajes en pleno juego dialéctico. 'La huella' (1972), 'El coleccionista' (1965), 'Átame' (1990), 'Audition' (1999), 'Palabras encadenadas'(2003) o 'La muerte y la doncella' (1994) (aunque aquí había un tercero en discordia) son algunos ejemplos de este tipo de planteamientos dramáticos.

Lo peor: los fallos de guión, incomprensiblemente premiado en Sitges. Con sólo analizarlo detenidamente la historia hace aguas por todos los sitios, restando gran parte del interés a la historia.

Momentazo: La secuencia de la tortura genital. Muy bien rodada, aprovechando al máximo el poder de la sugerencia y jugando hábilmente con las expectativas del espectador. Algo así como la versión en off de la tortura gráfica de 'Audition' (kiri-kiri)

EL CÓDIGO DA VINCI

Director: Ron Howard
Actores: Tom Hanks, Audrey Tautou, Ian McKellen
Calificación: 1 /10









Lo mínimo que se le puede pedir a un producto como 'El código Da Vinci' -descarada operación de marketing aprovechando el éxito de la novela- es que te divierta y entretenga durante las dos horas y media largas (¡y qué largas!) que dura.
A diferencia de recientes (y excelentes) ejemplos de cine mainstream como 'V de Vendetta' o la tercera parte de 'X-Men', la adaptación de la novela de Dan Brown es una larga, aburrida y plomiza película, un apretado resumen del libro planteado como una sucesión de acontecimientos narrados de forma atropellada, sin fuerza, carentes de algo parecido al suspense o la emoción, e interpretados de manera acartonada por un hierático Tom Hanks y una sosa Audrey Tautou.
A juzgar por las expectativas creadas, estamos ante uno de los fiascos de la temporada. ¿Aguantará el segundo fin de semana?

Lo mejor: Ian McKellen. Es el único que ha sido capaz de dotar de suficiente entidad dramática a su personaje. Los demás, incluidos un monótono Jean Reno y un excesivo Paul Bettany, están muy por debajo de lo esperado.

Lo peor: Que a la película le faltan todos los ingredientes de los que presume: ritmo, suspense, misterio, aventura, buenas interpretaciones, polémica religiosa...
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Momentazo: La secuencia en casa de Sir Leigh Teabing (Ian McKellen). Es la única donde funciona bien la explicación hablada con su puesta en imágenes. Consigue transmitir al espectador la emoción del descubrimiento a medida que lo hacen los protagonistas.

X-MEN 3: LA DECISIÓN FINAL

Director: Brett Ratner
Actores: Halle Berry, Kelsey Grammer, Hugh Jackman
Calificación: 7 /10









Ahora que estamos en época de blockbusters -salimos a uno por semana: 'Misión imposible III', 'El código da Vinci'; y los que quedan: 'Superman Returns', 'Poseidón', la segunda parte de 'Piratas del Caribe'- es inevitable compararlos. Y hasta el momento 'X-Men 3' se destaca como el mejor de todos. Y con diferencia.

La tercera parte de las aventuras de la Patrulla X es un ejemplar producto de entretenimiento capaz de conjugar excelentes secuencias de acción, de las mejores de la serie, con una trabajada caracterización de personajes, un atinado sentido del humor y una historia de gran calado emocional y fuerte dimensión moral. A pesar del cambio de director, 'X-Men 3' es tan divertida, emocionante y espectacular como las dos anteriores entregas.
Aviso: espera a que acaben los títulos de créditos, aún hay más.

Lo mejor: Comprobar como, a diferencia de lo que suele habitual, la saga 'X-Men' no se ha degradado secuela a secuela, gastando más dinero en publicidad que en talento artístico. Son películas cuidadas, mimadas, que dan tanta importancia a la acción y a los efectos especiales, como a la historia y a los personajes.

Lo peor: La estética retro de la saga puede caer simpática en algunos momentos pero en otros puede ser perjudicial. Ver a Magneto moviendo puentes con ese casco de espantoso diseño o a Bestia en el Parlamento con ese maquillaje de Príncipe Azul encantado provoca un rechazo que afecta al sentido de algunas secuencias, desviando la atención de lo importante a lo superfluo.

Momentazo: Las dos demostraciones del inmenso y letal poder de la mutante Dark Phoenix. Una mezcla perfecta de acción y emoción, de suspense y drama, de erotismo (incluye un ingenioso striptease de Lobezno) y pasión amorosa.

THUMBSUCKER

Director: Mike Mills
Actores: Lou Taylor Pucci, Tilda Swinton, Keanu Reeves
Calificación: 7 /10









Chuparse el dedo cuando eres adolescente es una adición como otra cualquiera, un signo claro de desequilibrio psicológico, de trastorno por déficit de atención. De eso habla la estupenda 'Thumbsucker', de las adiciones cotidianas a las que nos agarramos para esconder o sobrellevar nuestras frustraciones vitales, nuestro vértigo existencial.

El debutante Mike Mills ambienta la película en un suburbio de Oregón, una de esas zonas residenciales de la clase media norteamericana donde las apariencias esconden miedos, insatisfacciones y desorientación, cuando no desgarradoras verdades ocultas.

Esos lugares que tan bien han retratado directores como Todd Solondz o David Lynch y que ahora Mills plasma de manera menos contundente pero con el mismo humor excéntrico, intensidad dramática y poética de inconfundible aliento indie. Una estética muy gastada por su (ab)uso, que suele pecar de autocomplaciente, pero que en este caso funciona bastante bien.

Lo mejor: 1) Los personajes. Raros, tiernos y estúpidos. 2) Tilda Swinton, estupenda como siempre, 3) las canciones de Elliott Smith, por supuesto, y 4) que su estética indie, algo estereotipada y pasada de moda, no está por encima de la historia que cuenta, sino a su mismo nivel y muy bien engarzada.

Lo peor: La falta de auténtico calado emocional y estético. La sensación de que Mike Mills es más un hábil artesano indie, un producto del Sundance más convencional, que un verdadero autor con una mirada propia.

Momentazos: Los protagonizados por Tilda Swinton, tierna y divertida en su retrato de madre insatisfecha cuya adicción son las telenovelas y sus fantasías con uno de los galanes que las protagoniza.

THE KING

Director: James Marsh
Actores: Gael García Bernal, William Hurt, Pell James
Calificación: 8 /10









'The King' es de esas películas de gran riqueza metafórica, donde cada plano, cada detalle, cada mirada, dice más que lo que parece a simple vista. El debutante James Marsh se introduce en las grietas de la 'América profunda' y saca a la luz sus miserias, su mala conciencia disimulada por el manto reconfortante de la religión.

Como en 'Una historia de violencia' (2005), el pasado vuelve en forma de extraño, de hijo bastardo (e hispano) que irrumpe en busca del amor que se le ha negado, trastocando así una realidad, la de la familia del pastor baptista (blanca y conservadora), tan ordenada e idílica en la superficie como frágil e inestable en su interior.

'The King' es una película muy ambiciosa, quiere tratar muchos temas (la falsa moral religiosa, el pecado, la venganza, el amor incestuoso, los conflictos raciales) y mezclar muchos tonos (el retrato sociológico, la película de intriga, el cuento gótico, el melodrama familiar), saliendo airoso en la mayoría de las ocasiones pero no en todas. Como, por ejemplo, en un precipitado e insatisfactorio final. Pero, aun así, no deja de ser una estimulante propuesta para la anoréxica cartelera estival.

Lo mejor: 1) La interpretación de Gael García Bernal, que saca todo el partido a esa mirada suya, al mismo tiempo tierna e inquietante. 2) Su sobriedad y riqueza narrativa, y su gusto por el detalle (esos repetidos planos de manos, tan expresivos). 3) Su retrato del 'deep south': ácido, inquietante, pero no paródico ni caricaturesco.

Lo peor: 1) El final, tan previsible por una parte como precipitado por otra. 2) Su intento frustrado de conseguir un ambiente de cuento de hadas perverso, poner una música ad hoc no es suficiente para crearlo.

Momentazos
1. El encuentro de Gael García Bernal con su hermanastro. Una secuencia de gran impacto, muy bien resuelta, que provoca un giro inesperado en la trama.

2. Los dos amantes rezando en el pantano. Una secuencia de perversa belleza y casi un resumen de la película.

ULTRAVIOLETA

Director: Kurt Wimmer
Actores: Milla Jovovich, Cameron Bright, Nick Chinlund
Calificación: 6 /10









'Ultravioleta' dista mucho de ser una buena película, pero tampoco parece aspirar a ello. No es más que una apañada serie B de ciencia ficción, con superheroína glamourosa de protagonista, que, a pesar de sus muchos defectos, resulta mucho más simpática y divertida que otros recientes y más ambiciosos ejemplos de cine de acción con chica al frente: 'Catwoman', 'Elektra', 'Æon Flux'...

'Ultravioleta' es una mezcla anfetamínica de luchas gimnásticas a lo 'Matrix', acción coreografiada como en Hong Kong y ambientes de anime ultratecnológico; protagonizada por una Lara Croft bakala, con la determinación e instintos vengativos de Beatrix Kiddo y el glamour de pasarela de Barbarella. Película de verano para amantes de la acción delirante, el estilismo futurista y el aire acondicionado.

Lo mejor: 1) Sus ingeniosas y delirantes secuencias de acción a ritmo de tecno poligonero. 2) Milla Jovovich, casi un personaje de dibujos animados japoneses. 3) Lo poco que dura, 88 minutos.

Lo peor: 1) El guión, un desastre absoluto que acaba dando igual (más te vale). 2) La torpeza del director cuando apaga la música, desenchufa el croma e intenta mostrar los sentimientos de los protagonistas. 3) El supervillano, no está, como debería, a la altura de la protagonista.

Momentazos: Las secuencias de acción. Algunas tan disparatadas y espectaculares como el duelo final con espadas de fuego o, sobre todo, la original lucha vista a través de los reflejos de las gafas de sol que, por supuesto, llevan todos los protagonistas.

SCARY MOVIE 4

Director: David Zucker
Actores: Anna Faris, Regina Hall, Simon Rex, Leslie Nielsen
Calificación: 6 /10









Scary Movie 4', y en general todas estas películas paródicas (spoof), son como el cine porno de la risa, donde no importa el argumento y sí los gags (el equivalente a los polvos). Por tanto, una buena forma de medir su calidad es dividiendo las veces que sueltas una carcajada por el número de gags que contiene. Esto es, si el número de chistes por película es de unos 40, soltando menos de 5 carcajadas la película es mala, entre 5 y 10 es regular, entre 10 y 15 es buena, y entre 15 y 20 es muy buena. Más de 20 sería una obra maestra. Pero conseguir arrancar ese número de risotadas en menos de hora y media es (fisiológicamente) casi imposible.

'Scary Movie 4' es, para quien esto escribe, regular tirando a buena. Estaría, por tanto, entre 5 y 10 carcajadas. Dentro del irregular conjunto, con mucho gag facilón, trompazos chorras y escatología de preescolar, destacan momentos realmente divertidos: el presidente de EEUU contando chistes de extranjeros en la ONU, Tom Ryan (Cruise) declarando su amor en un talk show, el enamoramiento del protagonista mientras ella cuenta cómo limpia a la anciana que cuida, los fantasmas apareciendo en la casa mientras el japonés intenta ocultarlos, Detroit antes y después de los ataques de los alienígenas...

Lo mejor: 1) La decisión de no ceñirse sólo a la parodia de películas de terror incluyendo gags pertenecientes a la actualidad política y social. 2) Que contiene un buen número de chistes de calidad.

Lo peor: 1) Que hay demasiados chistes malos y, lo que es peor, algunos hasta repetidos, debiendo ser cortados en el montaje para no perjudicar tanto el resultado final. Se echa de menos más calidad aún a costa de una menor cantidad. 2) La publicidad "encubierta", cada vez más presente y descarada.

Momentazo: Los mejores momentos son los chistes buenos, claro está. Pero hay que destacar una secuencia muy bien resulta cinematográficamente. Es aquella donde los protagonistas se besan por primera vez. El viento empieza a mover de forma exagerada el pelo de la chica, parodiando una escena de amor cursi, hasta que te das cuenta de que el vendaval lo provoca la llegada de los alienígenas, en una parodia de 'La guerra de los mundos'. Una forma ingeniosa y elegante de continuar la narración.

PEOPLE

Director: Fabien Onteniente
Actores: José García, Rupert Everett y Ornella Muti
Calificación: 1 /10











Llega el verano. Empiezan las rebajas. Entre los saldos cinematográficos con más taras destaca 'People', (sub)producto francés que se cuela en la cartelera estival aprovechando que todo el mundo estará de vacaciones o viendo 'Superman Return'. Retrato caricaturesco, hortera y paleto del "glamour" y "ambiente" ibicenco, casi un publirreportaje de la isla, realizado con menos gusto que un anuncio de Marina D'or.

Comedia petarda, llena de humor grueso y chistes malos alargados ad nauseam (la dichosa ca-bri-ta, Rossy de Palma y su encoñamiento principesco, el adolescente toxicómano...), protagonizada por interpretes en plena decadencia (Ornella Mutti, Rossie de Palma, Rupert Everett) y con un sentido del humor que no veíamos desde los vídeos de Pajares y Esteso. A su lado las películas almodovarianas de Sabroso, Menkes y compañía son alta comedia.

Lo mejor: José García. Su retrato del excesivo y neurótico John-John es de lo poco salvable de este naufragio.

Lo peor: ¿Hay algo peor que un chiste malo? Sí, repetirlo (y repetirlo y repetirlo) creyendo que es bueno. Eso es 'People', un mal chiste sobre mariquitas de hora y media de duración.

Momentazo: Las salidas de tono del disparatado John-John, sus apariciones en la discoteca, las discusiones con su pareja, sus ataques de histeria...

SUPERMAN RETURNS

Director: Bryan Singer
Actores: Brandon Routh, Kate Bosworth, Kevin Spacey
Calificación: 7 /10









'Superman Returns' tiene todo lo que el espectador puede esperar: aventura, suspense, amor, drama, humor... Toda una serie de emociones servidas por Singer con exquisito gusto visual, ajustado sentido del ritmo, control de la narración y sabiduría dramática.
'Superman Returns' es una cinta de acción espectacular, pero también una desgarradora historia de amor, y una fábula moral, incluso un relato de dimensiones religiosas (Superman-Dios mirando y oyendo a los humanos desde arriba, luchando contra las catástrofes y los supervillanos, de maldad diabólica), y hasta una campaña antitabaco (a Superman no le gusta nada que los humanos fumen). Pero, por encima de todo, 'Superman Returns', a pesar de ciertos desajustes e interpretaciones (ver 'Lo peor'), es una adaptación hecha con cariño, respeto por el material original y mucho, mucho talento.

Lo mejor: 1) Su asombroso equilibrio entre acción y reflexión, consiguiendo contentar tanto a los que sólo buscan la velocidad y los efectos digitales, como a los que piden un buen retrato de personajes y una historia con la suficiente consistencia dramática. 2) La gran belleza plástica de muchas de sus imágenes, y lo bien que vuela Superman.

Lo peor: 1) Algunas secuencias protagonizadas por un histriónico y sobreactuado Kevin Spacey (aunque está más comedido de lo que da a entender el trailer). 2) La descarada campaña antitabaco: los malos fuman, el tabaco provoca incendios y Superman vigila a Lois Lane para que no le dé al pitillo. Cutre y, sobre todo, ¿qué pinta en una película de Superman? 3) Algunas secuencias están alargadas de forma innecesaria, resultando pesadas (todo el comienzo del plan de Luthor)

Momentazos: Hay muchos, pero la primera secuencia de acción es absolutamente espectacular. También destaca, como contrapunto al anterior, el momento del romántico vuelo-baile entre Superman y Lois Lane.

ELLA ES EL CHICO

Director: Andy Fickman
Actores: Channing Tatum, Laura Ramsey, Vinnie Jones
Calificación: 5 /10











Lo bueno de (re)adaptar una obra de Shakespeare al cine es que tienes mucho ganado, además de medio trabajo ya acabado. Muy mal hay que hacerlo para destrozar 'Noche de Reyes', una de las comedias más divertidas del dramaturgo inglés. 'Ella es el chico' sigue la moda de transplantar sus obras a un contexto actual, en este caso un instituto de enseñanza media.

El resultado es una apañada comedia teen, divertida a ratos, que amenaza con el desastre por culpa de la interpretación de su protagonista, la muy cargante Amanda Bynes, pero que se sostiene gracias a los personajes secundarios (atención al director del instituto) y a la arquitectura dramática de su guión, cimentada sobre unos pilares que después de más de 400 años siguen igual de sólidos.

Lo mejor: 1) La adaptación conserva todo el romanticismo y la comicidad -enredos y giros argumentales- de la obra de Shakespeare. 2) El cómico David Cross en su papel de excéntrico y megafriki director de instituto. Genial.

Lo peor: 1) Amanda Bynes, una (repelente) actriz que basa su (sobre)actuación en la mueca hiperbólica y los ademanes de diva adolescente. 2) Que en el fondo 'Ella es un chico' no deja de ser una comedia teen, con todo lo que ello supone tanto a nivel estético como dramático, tirando del tópico y el estereotipo más de lo conveniente. 3) Que los estadounidenses siguen saber nada de fútbol: ¡el último gol es en fuera de juego!

Momentazos: 1. Las apariciones del director del instituto y sus marcianas e hilarantes conversaciones sobre la calvicie prematura o lo difícil que es huir con los tacones puestos.
2. La secuencia de la fiesta, ágil y divertida.

DOMINO

Director: Tony Scott
Actores: Keira Knightley, Mickey Rourke, Edgar Ramirez
Calificación: 3 /10









Polémicas biográficas aparte (el filme empieza con un aclaratorio "basado en hechos reales, más o menos"), 'Domino' es una película que parece filmada en los 90, en plena fiebre de clones tarantinianos como 'Asesinatos natos' o 'Amor a quemarropa', esta última del mismo Tony Scott: fotografía muy contrastada, montaje sincopado, efectismos pirotécnicos, mezcla de blanco y negro y color...

La pregunta es la siguiente: ¿esta elección responde a una intención retro, emulando un determinado estilo para ambientar mejor la película, o es sólo el (pen)último ejemplo de una estética desgastadísima por su (ab)uso? Sea como fuere, 'Domino', más que un biopic en forma de thriller, es una comedia de acción, una parodia de un estilo (voluntaria o no), que narra de forma atropellada y efectista un argumento tan pobre como la recaudación de la película en EEUU. Sólo se salva el habitual sentido del humor de Scott, macarra y posmodernista.

Lo mejor: Los chistes a propósito de dos de los protagonistas de 'Sensación de vivir', Ian Ziering y Brian Austin Green, Steve y David en la serie, que se autoparodian en la película.

Lo peor: Su estética, cargante y pasada de moda, y su sentido de la narración, tan confuso y atropellado que acaba por hacer bostezar al más devoto de los fans de Tony Scott.

Momentazos: Colegio mayor de chicas. Novatada en plena noche. La jefa de las veteranas se acerca a la novata Domino para burlarse de ella. Domino, en actitud de chica dura, le pregunta: "¿te has operado la nariz?", acto seguido le propina un sonoro puñetazo en pleno rostro. Un ejemplo del peculiar sentido humor de Scott.

POSEIDÓN

Director: Wolfgang Petersen
Actores: Josh Lucas, Kurt Russell, Emmy Rossum
Calificación: 5 /10









Se dice que a Godard, en sus años mozos de la nouvelle vague, le gustaba ir al cine a ver trozos de películas, secuencias perfectas dentro de películas imperfectas. Entraba, disfrutaba (y aprendía) de esa escena en concreto, y se marchaba sin terminar de ver el resto del filme.

Pues bien, 'Poseidón' es una película perfecta para emular al director francés. Para entrar en la sala, ver el exhibicionista pero brillante plano-secuencia inicial generado por ordenador, perderte la siguiente media hora (apenas hay presentación de personajes y el golpe de mar tampoco es demasiado espectacular), disfrutar con la magistral secuencia del conducto de ventilación, salir otro rato a charlar sobre ella y respirar, entrar a ver la escena del buceo, salir a comprar palomitas, y quedarte a ver el final, tan melodramático como bien resuelto. Secuencias perfectas, o casi, dentro de un filme imperfecto.

Lo mejor: A pesar de una primera media hora soporífera, donde pasan muchas cosas y todas nos dan igual, la película, a partir de la mencionada secuencia del conducto de aire, sube en intensidad, suspense y emoción tanto como el agua dentro del Poseidón.

Lo peor: Que es una película llena de precipitación y altibajos, de desequilibrios dramáticos, de arritmias narrativas y de fallos de guión: no siendo muy explícito para los que no la han visto, el personaje del borracho, la escena de la hélice y ese final con tan oportuna "ayuda neumática".

Momentazos: Hay dos momentos que destacan por encima del resto. Aún a riesgo de repetirme: 1) la secuencia del conducto de ventilación, llena de suspense, dramatismo y mucha y muy lograda sensación de claustrofobia, y 2) el plano-secuencia inicial, un sofisticado tour de force para los amantes de las CGI (Computer Generated Images).

PIRATAS DEL CARIBE: EL COFRE DEL HOMBRE MUERTO

Director: Gore Verbinski
Actores: Johnny Depp, Orlando Bloom, Keira Knightley
Calificación: 7 /10









Quien iba a pensar que una película basada en una atracción de un parque temático iba a resucitar un género tan muerto como el de las películas de piratas. Allí donde fracasaron 'Piratas' y 'La isla de las cabezas cortadas', 'Piratas del Caribe' ha triunfado. ¿Cómo? Mezclando de forma ejemplar la mitología e iconografía medieval marina, el sentido clásico de la aventura y actualizando unos personajes que se hicieron célebres en novelas como 'La isla del tesoro' y películas como 'El capitán Blood' o 'El temible burlón'.

Esta segunda parte logra mantener intactos los logros de la primera: una buena caracterización de personajes, con Jack Sparrow como estrella indiscutible, unas espectaculares y divertidas secuencias de acción (atención a la lucha en la rueda de molino), un excelente ritmo (a pesar de sus excesivos 150 minutos de duración) y una cuidada puesta al día de la estética del género. Emoción y diversión garantizadas.

Lo mejor: 1) Jack Sparrow. Un personaje que está en el límite de la parodia excesiva, de la caricatura gruesa, pero que, milagrosamente, resulta simpático y divertido, lleno de matices, siendo capaz de llevar por si sólo (los demás personajes son mucho más planos) el peso dramático de la película. 2) La coreografía de las secuencias de acción, excelentes.

Lo peor: 1) Su excesiva duración, injustificada desde el punto de vista narrativo. 2) Termina de forma demasiado brusca, dejándote con la agridulce sensación de haber visto sólo media película, y tener que esperar un año para ver la continuación.

Momentazos: El divertido bloque que transcurre en la isla de los caníbales, con un Jack Sparrow pletórico, y la vibrante secuencia de lucha a tres con espadas en la rueda de molino. Secuencias muy bien rodadas y contadas, con varias líneas narrativas abiertas al mismo tiempo, solapándose de forma brillante.

DESAYUNO EN PLUTÓN

Director: Neil Jordan
Actores: Cillian Murphy, Liam Neeson, Stephen Rea
Calificación: 4/ 10









La realidad es fea, sucia y agresiva. ¿Qué hacer cuando eres diferente y todo a tu alrededor conspira contra ti? Poner música pop, pintarte la raya y sonreír. Como un Cándido volteriano transexual, Patrick / Kitten supera todas las adversidades (que son muchas) con humor (wilderiano), fantasía (trans) y una sonrisa (amarga) dibujada en sus labios pintados de rojo.

El problema es que la opción dramática elegida por el director, hacer un cuento de hadas cómico sobre una realidad trágica, crea un híbrido difícil de digerir: ni los momentos divertidos tienen gracia, ni los dramáticos afectan emocionalmente al espectador, ni los fantasiosos deslumbran. No es que la película sea mala, no, simplemente resulta tan anodina como la vida de la que quiere escapar su protagonista.

Lo mejor: Su ambientación y la banda sonora. "Patrick ve el mundo a través de canciones", dice Jordan, quien las eligió personalmente como ayuda para añadir elementos dramáticos a la historia.

Lo peor: A la película le falta gracia, fuerza, intensidad, emoción... en definitiva, alma.

ALATRISTE

Director: Agustín Díaz Yanes
Actores: Viggo Mortensen, Unax Ugalde, Ariadna Gil
Calificación: 6 /10









'Alatriste' es la adaptación de los cinco volúmenes escritos por Pérez Reverte sobre el personaje interpretado con maestría por Viggo Mortensen. Condensar tal cantidad de texto en dos horas no es fácil, y el resultado final se resiente de esta reducción.
En este sentido la película tiene tres problemas: 1) algunos personajes quedan muy desdibujados (Bocanegra, Malatesta), 2) las historias de amor carecen de la intensidad dramática deseable (Alatriste / María de Castro, Íñigo de Balboa / Angélica de Alquézar) y 3) algunas de las acciones, tramas y motivaciones de los personajes resultan confusas y opacas para quien no haya leído las novelas.
Dicho esto, 'Alatriste' es una digna película de aventuras, llena de épica, espectáculo y brillantez formal, que nada tiene que envidiar a las superproducciones hollywoodienses. Pero, a diferencias de muchas de éstas, también es realista, dramática y lírica, un fresco histórico mucho más cercano a 'El oficio de las armas' que a 'Piratas del Caribe'.

Lo mejor: Viggo Mortensen. Aunque al principio choque un poco su particular acento, luego se impone por su rotunda presencia, su contención gestual y la intensidad de su mirada, logrando transmitir perfectamente la mítica del guerrero cansado. Sin duda, Mortensen es Alatriste.

Lo peor: Los problemas del guión, que no logra condensar de forma armoniosa un conjunto demasiado amplio. Sus lagunas provocan confusión y desconcierto, sobre todo al principio de la película, así como debilidad dramática en muchas de las subtramas.

Momentazo: La batalla y resolución final. De gran impacto visual y belleza estética (lo de las picas es un acierto), así como fuerza dramática y emoción trágica. Todo un resumen del espíritu de una época.

PISANDO FUERTE (KINKY BOOTS)

Director: Julian Jarrold
Actores: Joel Edgerton, Chiwetel Ejiofor, Linda Bassett
Calificación: 6/10








¿Qué pasaría si incorporamos a una comedia disneyniana los ambientes obreros del cine de Ken Loach y las drags, travestis y transexuales de las películas de Almodóvar? Pues que saldría algo así como 'Pisando fuerte', una comedia tan ágil y divertida como convencional y previsible.

Pareja de personajes antagónicos (una drag negra del Soho y un pequeño empresario provinciano) que, a pesar de sus diferencias, se dan cuenta de que tienen más en común de lo que creían (los dos cargan con los traumas psicológicos que les han dejado sus respectivos padres) y acaban juntos venciendo sus miedos y superando las dificultades que la vida les presenta.

Fábula amable, llena de buenos sentimientos, rodada de forma funcional, que divertirá a los que busquen pasar un rato entretenido, sin más, y decepcionará a los que busquen algo más detrás de ese sugestivo título original (Kinky Boots): glamour, estilización, mordacidad, incorrección política, riesgo, sexo, originalidad...

Lo mejor: Que funciona muy bien como comedia sin pretensiones. Es la ventaja de estar tan codificada, de adaptarse de forma tan rigurosa a una fórmula probada. Divierte, entretiene e, incluso, puede llegar a emocionar a los más sensible(ro)s.

Lo peor: Su falta de ambición. El tema podría haber dado para mucho más si no hubieran optado por seguir el camino más fácil. Una comedia que se ve con agrado pero se olvida tan pronto como acaba.

Momentazo: El desfile en la pasarela de Milán. A pesar de que todos sabíamos lo que iba a pasar no por ello deja de ser una secuencia muy efectiva, divertida y de cierta intensidad dramática.

UNA CASA EN EL FIN DEL MUNDO

Director: Michael Mayer
Actores: Colin Farrell, Robin Wright Penn, Dallas Roberts
Calificación: 6 /10








Después de ver la excelente adaptación que hizo Stephen Daldry de la novela de Michael Cunningham 'Las horas' (2002), la visión de 'Una casa en el fin del mundo' resulta un poco decepcionante. No porque sea mala, ni mucho menos, pero sí porque no cubre las expectativas generadas, y más teniendo en cuenta que el propio novelista se hizo cargo del guión.

El debutante Michael Mayer aprovecha su formación teatral para demostrar su talento en la dirección de actores, lo mejor de la película; pero, y aquí está el problema, demuestra su inexperiencia en la dirección cinematográfica al realizar una puesta en escena bastante insulsa, poco expresiva y, salvo en contadas ocasiones -como la secuencia final- demasiado funcional.

La película se sostiene, y muy bien, gracias al material literario que utiliza y a las interpretaciones de su trío protagonista (o cuarteto, porque Sissy Spacek está estupenda), pero se echa en falta una mayor enjundia y destreza a la hora de plasmar en imágenes el excelente texto de referencia.

Lo mejor: 1) Los actores, todos excelentes incluyendo el otras veces sobreactuado Colin Farrell, quien supera con solvencia la responsabilidad de dar vida a uno de los grandes personajes creados por la pluma de Cunningham.
2) La película transcurre por tres décadas diferentes. Para ello, además de en la ambientación, el director se apoya en la música. Canciones de Leonard Cohen, Bob Dylan o Patti Smith marcan el paso del tiempo haciendo las delicias de los amantes de la música.

Lo peor: Que la realización no está a la altura del material literario. Salvo ese expresivo plano final, lleno de sugerencias, la puesta en imágenes de la película peca de insustancial y desabrida. Lo que cuenta está demasiando por encima de cómo lo cuenta.

Momentazo: Aparte del ya mencionado final, el momento más impactante de la película es el accidente del hermano del protagonista que no contaré para quien no la haya visto. Un auténtico shock.

LOS AMIGOS DEL NOVIO

Director: Edward Burns
Actores: Edward Burns, Brittany Murphy, John Leguizamo
Calificación: 4 / 10












'Los amigos del novio' es la típica y tópica película de treintañeros en crisis que tiene a 'Beautiful Girls' (1996) como referencia obvia e influencia más acusada (aunque también recuerde a 'Cosas que hacer antes de los 30').
Apenas hay nada nuevo ni original en este reencuentro con los-amigos-de-toda-la-vida: problemas sentimentales y dudas existenciales provocadas por el paso (cambiado) a la edad adulta, por la madurez mal asumida, que se resuelven en una catarsis final en forma de gran acontecimiento colectivo (una boda en este caso).

'Los amigos del novio' puede interesar a los que empaticen rápidamente con personajes de su misma edad y situación vital, pero los demás nos vemos obligados a tragarnos una historia sin apenas espesura dramática, de personajes poco perfilados, rodada de forma académica, casi como un telefilme, y sin la suficiente intensidad como para emocionarnos.

Lo mejor: Su falta de pretensiones y su captación (nostálgica) de los ambientes costumbristas de un barrio a las afueras de Nueva York.

Lo peor: Lo convencional de la propuesta, tanto estética (más que sobria, desangelada; con una puesta en escena funcional y aburrida), como dramática (un guión demasiado académico, con personajes no muy trabajados y situaciones poco creíbles). Pasan muchas cosas, hay muchos conflictos abiertos, pero poco nos importa cómo se resuelvan.

Momentazos
En la película pasan muchas cosas (cada amigo tiene sus problemas) pero pocas nos llegan a emocionar o tan siquiera interesar. Hay pocos momentos que se recuerden especialmente. Quizá, la historia mejor conseguida desde un punto de vista dramático sea la de Jimbo, atormentado por sus problemas de infertilidad que estallarán con la noticia del embarazo de la futura esposa de su hermano Paulie. Las discusiones con éste, la visita al club de striptease y la posterior reconciliación con su mujer son momentos que destacan algo entre la medianía general.

TROPICAL MALADY

Director: Apichatpong Weerasethakul
Actores: Sakda Kaewbuadee, Banlop Lomnoi, Sirivech Jareonchon
Calificación: 8 /10











"Nuestro deber como seres humanos es convertirnos en amaestradores que mantienen a sus animales bajo control, e incluso enseñarles a realizar tareas ajenas a su bestialidad". Así empieza, con esta cita del escritor japonés Ton Nakajima, 'Tropical Malady', y en ella, como ha reconocido el propio Apichatpong Weerasethakul, está contendida la película entera.

'Tropical Malady' está dividida en dos partes. La primera corresponde al nacimiento del amor entre un soldado y un campesino. Un amor retratado por medio de planos estáticos, contemplativos, de ritmo parsimonioso (a veces de forma algo gratuita y autocomplaciente), inmerso en unos ambientes costumbristas, preferentemente urbanos, y por medio de una narración serena, contada en una voz tan baja como la de los protagonistas.

La segunda parte se convierte en un festival de sensaciones, sobre todo auditivas. Mitología y folclore se unen en un misterioso (y sumamente críptico) viaje al interior de la selva en busca de uno mismo, de su verdadero yo reprimido, adormecido, que terminará con un encuentro de resonancias cósmicas en uno de los planos más impresionantes del cine reciente. Cine para disfrutar emocionalmente y sufrir intelectualmente.

Lo mejor: 1) Su belleza plástica, el exquisito gusto por la composición de Weerasethakul, y su sugestiva banda de sonido. Tan importante es lo que se ve como lo que se oye. 2) La afortunada mezcla entre tradición y modernidad, entre folclore y experimentalismo narrativo.

Lo peor: Su falta de asideros narrativos donde sujetarse. El espectador, sobre todo en la segunda parte, puede perderse fácilmente en esa frondosa selva llena de signos ininteligibles. Los más nerviosos huirán de la sala. Los más pacientes, disfrutarán del misterio y la volverán a ver.

Momentazos
1. El paseo en moto después de la "salvaje" consumación del amor y la posterior desaparición, llena de belleza y misterio, del aldeano engullido por la selva.
2. El encuentro final con el tigre. Un plano lleno de sugerencias y de gran belleza plástica.
3. Las largos planos de los dos sentados en el porche, viendo como, poco a poco, crece el amor entre el soldado y el campesino.

LOS LÍOS DE GRAY

Director: Sue Kramer
Actores: Heather Graham, Thomas Cavanagh, Bridget Moynahan
Calificación: 2 /10









Si el verano es época de saldos, de rebajas, 'Los líos de Gray' es uno de ellos. Ninguno de los supuestos alicientes de la película se ven satisfechos. Como comedia lésbica no resiste la comparación con, por ejemplo, las decenas de cintas que se pueden ver en cualquier festival de cine gay-lésbico cada año.

Películas como 'April's Shower', 'D.E.B.S', 'Lapsia ja aikusia/Kuinka niitä tehdään?' o 'A family affair' son, a pesar de no contar ni con actrices famosas ni con tanto presupuesto, mucho más divertidas, ingeniosas y comprometidas que el descafeinado debut de la directora Sue Kramer.

¿Y el famoso beso? Basta ver cualquier episodio de la serie 'The L Word', de la que 'Los líos de Gray' es su versión domesticada, para ver besos más apasionados y realistas que el protagonizado por las guapas pero poco convincentes Heather Graham y Bridget Moynahan.

Lo mejor: El intento de hacer una comedia mainstream de contenido lésbico.

Lo peor: Que el intento ha dado como resultado un fracaso absoluto.

Momentazo: El beso. A pesar de lo convencional y "correcto", ver a dos bellezas como Heather Graham y Bridget Moynahan morreándose tiene su morbo.