EL DRAGÓN ROJO

Después del varapalo crítico, que no de público, que se llevó “Hannibal”, el célebre productor Dino de Laurentis a optado por volver a los orígenes. Y digo productor porque el director Brett Ratner (“Hora punta”) pinta más bien poco en esta adaptación de la primera novela sobre Lecter escrita por Thomas Harris.

Tanto el tono como la trama de “El dragón rojo” recuerda a esa joya del terror moderno que es “El silencio de los corderos”. La diferencia es que la química que había entre Anthony Hopkins y Jodie Foster no se produce con Edward Norton. Además, el asesino tiene más protagonismo pero también está más humanizado, por lo que no resulta tan perverso como Búfalo Bill. Y para acabar con las comparaciones, está claro que el factor sorpresa se pierde en esta adaptación, conocemos demasiado bien a Lecter como para que nos siga dando miedo. Aún así, la peli entretiene y no defrauda.

Lo mejor de la peli
1. El reparto, de auténtico lujo: Anthony Hopkins, Edward Norton, Ralph Fiennes, Emily Watson, Harvey Keitel, Mary Loise Parker, Philip Seymour Hoffman… Y todos, a pesar de la coquetería de Ralph Fiennes, están muy bien.

2. El ritmo de la película. Como dijimos carece del poder para inquietar que conseguía “El silencio de los corderos”, pero la película está montada con un ritmo perfecto para un thriller.

Lo peor de la peli
1. Que, dadas las similitudes (y uno que es fan), se echa mucho de menos la atmósfera malsana y el desasosiego que era capaz de producir “El silencio de los corderos”.

Momentazos
1. Los ojos de Lecter. A pesar de que miles de espectadores han pasado por sus retinas, siguen transmitiendo la insondable maldad de una mente tan enferma como privilegiada.

2. El final, que no voy a contar. Esa sensación que deja de “ahora empieza lo bueno”.

LAS REGLAS DEL JUEGO

“Las reglas del juego” es, hasta el momento y sin desmerecer los méritos de “American Psycho”, la mejor adaptación de una novela de Bret Easton Ellis. Y lo es porque nadie como Roger Avary, que leyó el libro con 21 años y se sintió totalmente identificado, ha sabido trasladar en imágenes todo ese universo desquiciado y decadente por donde se pierden, sangrando por sus maltrechas fosas nasales, los hastiados personajes de tan agudo cronista social. El director consigue el milagro de unir en perfecto matrimonio un guión lleno de giros, flashbacks, frenazos y anfetamínicos acelerones, tan del gusto del co-autor de “Pulp Fiction”, con una puesta en imágenes sorprendente, precisa y de un lirismo sobrecogedor.

Lo mejor de la peli
Como, agazapado tras una aparente película de adolescentes obsesionados por el sexo y las drogas, llena de reconocibles clichés del cine más indie, se refugia y va saliendo a la superficie una historia de trágicos amores rodada con especial y poética sensibilidad.

Lo peor de la peli
1. Algunos excesos, sobre todo en las secuencias con el dealer, que estropean un poco el conjunto.

2. James Van Der Beek, el adolescente de la serie “Dawson crece”, se ha hecho mayor pero no muy buen actor.

Momentazos
1. Las fiestas: “Vístete para follar”, “La fiesta del culo del mundo” o “La fiesta del fin del mundo”. Orgías llenas de sexo, drogas y gritos desesperados de ayuda.

2. La cena con las madres de los chicos gays. Indescriptible.

3. El suicidio, su descubrimiento y cómo nos cuenta su causa. Sobrecogedor.

CALLAS FOREVER

Que Zeffirelli es más cursi que leer una novela rosa escrita por Garci era harto sabido: “Campeón”, “Romeo y Julieta”, “Amor sin fin”, y que era un prestigioso director de montajes operísticos, también. En “Callas forever” (las cursilerías empiezan con el título) hay mucho de lo primero, el pegajoso tono almibarado que impregna toda la película, y muy poco de lo segundo, si acaso la selección musical. “Callas forever” es el típico biopic telefilmado que, aprovechando la fama de la cantante, se ha estrenado en cine en busca de incautos espectadores poco informados o tan ñoños como el director.

Lo mejor de la peli
1. La banda sonora, con el repertorio más popular de Maria Callas que te acariciará los oídos a través del Dolby Sorround

2. Que dura poco aunque se haga eterna.

Lo peor de la peli
1. Su tono almibarado, cursi hasta la nausea.
2. Lo grotesco de las interpretaciones, salvando la de la voluntariosa Fanny Ardant y condenando la de Jeremy Irons, muy en la línea de esos grandes personajes que ha hecho últimamente en “Dragones y mazmorras” o en “La maquina del tiempo”.
3. Su estilo televisivo, plano, aburrido y funcional, digno de una sobremesa de domingo en Antena 3.

8 MUJERES

Comedia de alto copete con la estilización y el glamour propios de un Almodóvar, whodunit (¿quién es el asesino?) a lo Ágata Christie, peli de mujeres a lo George Cukor, musical a la francesa barnizado con el tecnicolor de las películas de Vincente Minelli, melodrama a lo Douglas Sirk, subterránea lucha de clases a lo “Gosford Park”... Todo este cúmulo de referencias/influencias, más el indisimulado origen teatral de la cinta, hacen de “8 femmes” una película tan divertida, estilosa y sorprendente como acartonada y fría, como si en ocasiones se contagiase del gélido y operado rictus de Catherine Deneuve.

Lo mejor de la película
Las interpretaciones de las ocho actrices, están estupendas. Pero si hay que destacar a alguna, sin duda se lo merece Isabelle Huppert, fantástica en su papel de solterona amargada.

Lo peor de la película
Los números musicales. El momento canción-como-monólogo-interior empieza a ponerse peligrosamente de moda y no siempre está justificado su uso (“El otro lado de la cama”).

Momentazos
Aparte de la sorpresa final, el momentazo de la película coincide con el más lésbico de todo el filme. No te lo voy a destripar, así que tendrás que verlo con tus propios ojos.

GHOST WORLD

La película sigue la línea marcada por directores del llamado “realismo sucio americano”, como Tod Solondz (“Happiness” y sobre todo “Bienvenido a la casa de muñecas”, con la que tienen bastante que ver) y Neil LaBute (“Amigos y vecinos”, “En compañía de hombres”). Tiene parte de su mordacidad pero no su implacable y demoledor pesimismo. También tiene algo del humor irreverente y muy teen de autores como Kevin Smith, con personajes que también pululan como zombis en grandes centros comerciales y restaurantes de comida rápida. La peli tiene gratificantes dosis de acidez y cinismo, cierto lirismo muy bien llevado y, desgraciadamente, concesiones sentimentaloides que la acercan por momentos a la tópica comedia hollywoodiense sobre adolescentes inadaptados.

1. Lo mejor. La interpretación de Thora Birch, muy en la línea de su personaje en “American Beauty”, pero ahora llevando casi totalmente el peso de la película. Está perfecta en su composición de adolescente problemática, inteligente e insatisfecha. También hay que destacar lo bien reflejado que está ese “mundo fantasma” que rodea a las dos chicas y en el que tratan de encontrar su lugar.

2. Lo peor. La línea argumental que se han inventado para la película y que no estaba en el comic. Es la parte más floja de la historia, a pesar de que Steve Buscemi está muy bien haciendo de loser desencantado. También, los que hemos leído el comic, echamos en falta ese rollo bollero que se llevan las dos chicas, sobre todo el personaje que interpreta Thora. ¿Corrección política?

Momentazos
1. Su primer y único día de curro como dependienta de un fast food. Muy muy divertido.

2. El final. Parece ñoño pero es muy coherente con la peli.

OCEAN'S ELEVEN

El otrora gran esperaza del cine independiente yanqui, Steven Soderbergh, ha sido fagocitado por la gran industria hollywoodiense con muy buenos resultados. “Un romance peligroso”, “Erin Brockovich” y, sobre todo, “Traffic”, demostraron como hacer cine comercial sin perder demasiados rasgos de autoría. En “Ocean’s eleven” Soderbergh nos da un ejemplo más de cine comercial muy bien hecho. La peli, rodada de forma impecable, te coge por las solapas desde el principio y no te suelta hasta el final. Como ya demostró con “Traffic”, oscar al mejor montaje, este director es un auténtico mago de la narración, encadenando secuencias de forma admirable.

Luego también está el impresionante reparto. A pesar del riesgo -lucha de egos, divismos, chupacámaras- están todos en su sitio, da igual que sean estrellas o aspirantes a serlo. Y algunos salen realmente guapos. Así que, tanto si te gustan las buenas historias bien contadas, como si eres fan de George, Brad, Matt, y compañía, esta es sin duda la peli que no deberías perderte.

1. Lo mejor. El ritmo de la peli. Es la típica historia que te atrapa desde el principio y no te suelta hasta el final. Los actotes están muy bien, sin desequilibrios ni divismos por parte de ninguna de lasa estrellas.

2. Lo peor. La historia de amor. Aunque es lo de menos, la verdad es que no te la crees en ningún momento, sobre todo por parte Julia Roberts, como (casi) siempre, esta horrible.

Momentazos
1. Todo el robo. Está rodado de forma ejemplar, lleno de emoción, originalidad y mucho humor.

2. La vista de los once en la azotea. Para no fastidiar la historia solo decir que es al final y se trata de una panorámica sobre “Los once de Ocean” mientras contemplan Las Vegas a sus pies.

VANILLA SKY

Aunque pueda parecer cansino y chovinista, hay que decirlo: “Vanilla Sky” es una simple copia de “Abre los ojos”. Algo que al resto del mundo, que no ha visto ni verá la peli de Amenabar, le trae sin cuidado. De hecho se ha colocado en los primeros puestos de recaudación allí donde se ha estrenado. Pero para el público español, que en su mayoría sí ha visto la “otra” peli, la cosa cambia.

A pesar de las declaraciones de Amenabar alabando la “versión” de Crowe, (¿quién produjo “Los otros”?), lo cierto es que “Vanilla Sky” mantiene los aciertos del filme original e incorpora un toque cursi y luminoso que acaba destrozándolo. Cursi es la historia de amor entre Tom y Pe, almibarada y sosísima, y luminosa es la versión Crowe, reduciendo considerablemente las sombras del filme precedente. Ni Tom es tan cabrón como Noriega ni sale tan deformado como éste. Un timo.

Lo mejor
1. Si no has visto “Abre los ojos”, la historia. Engancha, perturba, desconcierta y emociona.

2. La banda sonora. Muy bien seleccionada y con sentido dentro de la historia, aporta lo que no dicen las palabras.

3. Cameron Díaz. Sexy, mala y muy morbosa. Incluye una nueva referencia a fluidos corporales, “me he tragado tu semen, eso significa algo”.

Lo peor
1. Si has visto “Abre los ojos” es absurdo gastarse 1000 pelas (6 euros) para ver la misma historia, planos calcados y encima más larga. Ni siquiera la pareja de moda tiene química. Sólo para (muy) fans de Tom y Pe.

2. Lo terriblemente cursi que es. A diferencia de la peli del “otro”, aquí se ha potenciado (o mejor, alargado) la historia de amor entre la parejita. Por momentos parace que estamos viendo “Otoño en Nueva York”.

3. Los diálogos. Hay van dos joyitas repetidas varias veces: “es la mujer más triste que ha sostenido nunca un martini” y “... en la otra vida, cuando seamos gatos”. Agggggg.

Momentazos
1. I’m NOT gay. Tom entra en un bar. Un tío se le acerca y le pregunta algo. Y a Tom solo se le ocurre replicar, sin venir mucho a cuento, con un “Lo siento, no soy gay”. Reafirmación hetero ¿te la crees?

2.. Todas las ideas visuales que pertenecen a Amenabar y que están calcadas. ¿Tributo, copia? El famoso plano cenital de la azotea, la careta puesta del revés en la discoteca, la escena frente al espejo donde vuelve a verse deformado...

PIEDRAS

Sin duda que Ramón Salazar es un tío arriesgado. Después de un corto tan modesto como 'Hongos', su primera peli se caracteriza por la ambición que derrocha, tanto narrativa como estética. Y ahí está lo bueno y lo malo de la peli. Este cruce entre ¿Magnolia¿ y los melodramas almodovarianos pasa de la brillantez a la pedantería en un abrir y cerrar de ojos. Es capaz de combinar sobresalientes metáforas y hallazgos visuales, con diálogos imposibles y pretenciosos que chirrían por todas partes.

Lo mejor:
1. El retrato de ¿lo femenino¿, tanto en hombres como en mujeres. Está muy cerca de grandes exploradores de la feminidad como Cukor o Almodovar.

2. El partido que se saca a las canciones, el vestuario y los ambientes madrileños.

Lo peor:
1.. Muchos de los diálogos. Quedan artificiales y pretenciosos. Un ejemplo. Ángela Molina: ¿Soy una mujer, además de muy práctica, muy escéptica¿. Nacho Duato: ¿¡Qué raro! Las mujeres de la talla 38 no suelen serlo. Escépticas¿.

2. Najwa Nimri. A pesar de que físicamente da muy bien para el papel, se le entiende menos y está más sobreactuada que nunca. Toda la escena de la discusión por el metro es un catálogo de tics y gestos raros. Aunque a algunos eso les gusta, dicen que es lo que le hace ¿especial¿. No sé...

MANJAR DE AMOR

La nueva peli de Ventura Pons tiene muchos puntos en contacto con “Amigo/Amado”, su obra más celebrada. Se desarrolla en ambientes artísticos y académicos, hay relaciones entre hombres maduros y chicos jóvenes, se reflexiona sobre el amor y el arte. Pero, a diferencia de “Amic/Amat”, que era más fría e intelectualizada, “Food of love” es más tierna y cercana. La peli es disfrutable desde muchos puntos de vista:

1. La proximidad que transmite la película favorece la identificación con: la iniciación sexual del protagonista, los problemas de una pareja estable, la frustración sexual y sentimental del hombre maduro, el desconcierto de la madre ante la inesperada sexualidad de su hijo.

2. Hay todo un discurso sobre la condición del artista moderno, la competitividad en los ambientes artísticos (en este caso musicales), el talento y la falta de él. Así como del amor, el sexo y las relaciones sentimentales, tanto familiares como de pareja.

3. Se hace un completo recorrido turístico por Barcelona. Así que, si no te gusta la peli, puedes disfrutar al menos de una visita virtual a la ciudad de Gaudí.

Lo mejor
1. La actriz que interpreta el personaje de la madre del chico joven. Perfecta como ama de casa yanqui desconcertada ante el descubrimiento de que su hijo es un poco “rarito”.

2. La sensibilidad y la ternura que transmite la película. Un Ventura Pons mucho más cercano que en otras ocasiones.

3. La risa que da ver a Naim Thomas haciendo de marica adolescente.

Lo peor
1. Como suele pasar con el cine de este director, en ocasiones se pasa de
cursi y almibarado.

2. El cambio de ciudad respecta a la novela. Quizá a los guiris les parezca bien el cambio de Roma a Barcelona, pero a nosotros (o por lo menos a mí) mantener la ciudad eterna hubieras sido una elección más acertada.

EN LA CIUDAD SIN LÍMITES

Después de la correcta ¿Lisboa¿ y el ¿inocente, inocente¿ del ¿El gran marciano¿, no esperaba mucho de un director como Antonio Hernández. Pero la sorpresa ha sido grata. Esta mezcla de drama familiar, thriller lleno de sorpresas finales y comedia de situación, funciona bastante bien. Se nota que es un proyecto querido y largamente trabajado por el director. Además se beneficia de un gran reparto, con brillantes interpretaciones como la de Adriana Ozores (con una chispeante bis cómica), Fernando Fernán Gómez (con un personaje de misterioso pasado que no puedo revelar) y un espléndido y muy guapo Leonardo Sbaraglia.

Lo mejor
1. La actuación de todo el reparto. En especial de Fernando Fernán Gómez, Adriana Ozores y un impresionante Leonardo Sbaraglia.

2. La química entre Adriana Ozores y Roberto Álvarez, que consiguen los momentos más cachondos de la peli.

3. La muy conseguida mezcla de momentos dramáticos con situaciones cómicas y un clima de misterio.

Lo peor
1. La banda sonora. Sobre todo al principio, parece desligada de las imágenes creando un efecto distanciador que, me temo, no era la intención del director.

2. Cuando el tono dramático se impone al thriller y a la comedia cae por momentos en la cursilería.

Momentazos
1. La escena de la bañera entre Leonardo Sbaraglia y su novia, la también argentina Leticia Bredice.

2. Todas las escenas entre el personaje de Adriana Ozores, su ex-marido (Roberto Álvarez, con el que también coincidió en “Manolito Gafotas”) y la amante de éste. Muy, muy divertidas.

MULHOLLAND DRIVE

Inquietud, fascinación, misterio, confusión... en ¿Mulholland Drive¿ nos (re)encontramos con el Lynch más retorcido, oscuro e hipnótico de películas como ¿Cabeza borradora¿ y ¿Carretera perdida¿. Reaparecen muchas de las constantes vitales de su cine: un perverso y surrealista sentido del humor, una fijación malsana por lo siniestro y lo oculto, una visión morbosa del sexo, un continuo juego de realidades soñadas y sueños (más bien pesadillas) hechos realidad, una manera de narrar oblicua, que exige un esfuerzo al espectador... ¿Mulholland Drive¿ es una experiencia cinematográfica que no dejará indiferente a nadie. O entras en su mundo y lo disfrutas o te quedas fuera y lo sufres. A pesar de todo, reconocer que me falta una segundo visionado para confirmar si es la obra maestra que intuyo*.

(*La he vuelto a ver y he confirmado lo que pensaba, me parece una obra maestra)

Lo mejor de la peli
1. Su atmósfera. Nadie como Lynch sabe provocar tal grado de fascinación e inquietud en el espectador. Lo consigue a través de un prodigiosa combinación de música envolvente, sonidos inquietantes, planos largos, ritmo quebradizo y una calculada selección de la información que da al espectador para conseguir trasmitir una incómoda sensación de nerviosismo y congoja.

2. La banda sonora. Una vez más la colaboración entre Lynch y Badalamenti consigue momentos de gran belleza y misterio. Aparte hay toda una selección de tema populares de los años 50 y 60, que nos trasladan al los inocentes y decadentes ambientes del Hollywood dorado.

Lo peor de la peli
1. Que tendrás que gastarte otros seis euros porque es recomendable verla dos veces (por lo menos).

2. Si no te gusta Lynch o te parece que “Una historia verdadera” es su mejor película, “Mulholland Drive” te va indignar hasta el extremo de querer asesinarle.

Momentazos
1. La interpretación, a capella y en castellano, de la canción “Crying” de Roy Orbison. La canta Rebekah del Río en el extraño club de ilusionismo “Silencio”, logrando un efecto mágico y surrealista, similar a los producidos por las canciones de Julee Cruise en “Twin Peaks”.

2. La escena en que la pesadilla del paciente de un psicólogo acaba convertida en realidad. Está planificado de tal forma que da mucho, mucho miedo.

GOSFORD PARK

Lo que mejor hace Robert Altman es utilizar los géneros clásicos para: desmitificarlos, servir de excusa para contar otra cosa, darlos la vuelta. En este caso el viejo Robert se sirve de las películas de misterio, las whodunit (¿quién lo hizo?), esos cluedos tan ingleses donde el asesino siempre es el mayordomo, para contarnos otras cosas que le interesan más.

El director, por medio de unos espléndidos actores, nos habla del amor (y el desamor), la hipocresía (el juego de las apariencias), el rencor (entre familiares), la lucha de clases (atención al detalle de llamar a los sirvientes como sus amos), el choque cultural (entre el modo de vida tradicional británico y el espíritu pragmático norteamericano). Todo ello expuesto como si de un pieza musical se tratara, donde todo encaja y transcurre con fluidez.

Lo mejor de la peli
1.. La fluidez con la que está narrada. Es de esas pelis en que te quedas embobado viendo como transcurren las secuencias llenas de actores, muchos y muy buenos, y todo funciona a la perfección.

2. Conseguir hacer una peli aparentemente de género, de misterio, que esconde mucho más que un simple divertimento al estilo de Agatha Christie. La lucha de clases, las falsas apariencias, los sentimientos reprimidos, el choque entre dos modos de vida, el amor... de todo eso habla esta joya de orfebrería.

Lo peor de la peli
1. Con tantos personajes, si no te quedas con los nombres, puedes acabar perdiéndote un poco. Así que pon atención.

HABLE CON ELLA

Las películas de Almodóvar, como las de Medem, tienen una ventaja sobre las demás: son un placer estético. Así que, si como en este caso la historia no te convence, puedes disfrutar del inmenso talento visual que posee el director manchego. Peeeedro nos habla de la incomunicación, de la necesidad de hablar aunque creas que no te escuchan, del amour fou que conlleva dilemas morales. Todo ello dentro del más estricto melodrama contrapunteado con pequeños y muy conseguidos momentos humorísticos que hacen respirar a la película después de tanta emoción contenida. Intensidad dramática que, como es mi caso, si no te llega, te dejará un poco frío.

Lo mejor de la peli
1. Javier Cámara. Impresionante su interpretación de Benigno, el enfermero enamorado de
Leonor Watling. Parece como si se hubiera dedicado a esa profesión toda su vida. Para el papel tuvo que aprender, además de enfermería, manicura, peluquería y bordado.

2. La película muda “El amante menguante”. Dura 10 minutos y está interpretada por Fele Martínez y Paz Vega. Esta parte recuerda a esos anuncios psicotrónicos que solía meter Almodóvar en sus películas. Está rodada como una película muda y actúa como ensoñación lírica y delirante de lo que en realidad está pasando en la clínica.

3. La factura técnica y artística de la película. Con fotografía de Javier Aguirresarobe, ganador del goya de este año por “Los otros” y música de Alberto Iglesias, también galardonado por “Lucía y el sexo”, unido al talento visual de Almodóvar, la película es un placer para los sentidos.

Lo peor de la peli
1. La historia de Rosario. No lo hace mal, pero su personaje, junto al de Grandinetti, se resienten al lado de la intensa historia de amor entre Javier Cámara y Leonor Watling.

2. Ciertos guiños y cameos que parecen forzados. Este se nota sobre todo en la actuación de Caetano Veloso, donde sale toda la trouppe almodovariana sin venir mucho a cuento.

Momentazos
El gran momento de la película es la aparición estelar de Chus Lampreave haciendo de... ¡PORTERA! Está apenas unos segundos en pantalla pero su desternillante actuación es tan recordada como la de madre en “La flor de mi secreto”.

LOS TENENBAUMS

A pesar de que lo que pudiera parecer, esta no es “otra estúpida comedia americana”. Por la pinta que llevan sus protagonistas, sobre todo Ben Stiller con ese impagable chándal de Adidas, podría parecer que estamos ante un clon de comedia delirante a lo hermanos Farrelly (“Dos tontos muy tontos”, “Algo pasa con Mary”). Pues no, los que busquen chistes escatológicos y humor gamberro se han equivocado de película. “Los Tenenbaums” es una comedia triste, o una tragedia tan marciana que da risa. Sólo por desmarcarse de la tendencia dominante merece la pena acercarse a la vida de la familia Tenenbaums. Una panda de excéntricos, brillantes profesionales pero fracasados emocionalmente.

Lo mejor de la peli
1. La historia. Muy original, tierna y divertida. Dividida en capítulos y con la voz en off de un narrador, está contada como un álbum de recuerdos familiares.

2.La ambientación. Una estética muy cuidada y muy petarda, con unas ropas muy setenteras y excéntricas.

3. La música. Una recopilación de temas clásicos de Ramones, The Clash y la Velvet Underground, junto a la melancolía new wave de Mark Mothersbaugh. Perfecta para trasmitir ese regusto nostálgico y melancólico que tan bien le viene a la película.

Lo peor de la peli
1. Que en ocasiones, en esta difícil mezcla de comedia y tragedia, ni te ríes ni lloras, te quedas con la misma cara de palo que los mismos Tenenbaums.

2. El final parece un poco forzado.

Momentazos
1. A las niñas les gustará especialmente esa secuencia donde descubrimos las tendencias lésbicas de Margot, una Gwyneth Paltrow perfecta en su papel de mujer apática y vacía.

LA HABITACIÓN DEL PÁNICO

El cine de David Fincher parece cada vez más cercano al de Hitchcock: es capaz de tener un mirada personal dentro de un cine de género protagonizado por estrellas de Hollywood. En su nueva película, protagonizada por un espléndida Jodie Foster, está mas cerca que nunca del mago del suspense. El director de “Seven” rueda como nadie esta historia claustrofóbica, llena de intriga y tensión, capaz de provocar que el espectador clave sus uñas en la butaca en más de una ocasión.

La única pega es que el guión no daba para demasiado, y el sabor de boca final es algo agridulce. Y más si, como es mi caso, esperaba un nuevo impacto como el que me provocó la aterradora y desasosegante “Seven”. Pese a todo, es altamente recomendable.

Lo mejor de la peli
1. La atmósfera. El clima de tensión que consigue crear. A base de una iluminación tenue y unos largos y serpenteantes planos.

2. Jodie Foster. Perfecta y creíble en su papel de madre atrapada que lucha por su hija. Además, no sabemos si por su embarazo, sale realmente guapa.

3. Los títulos de créditos. Como es habitual en las pelis de Fincher, sus títulos de crédito crean escuela. Aquí aparecen incrustados de forma digital en varios edificios neoyorquinos.

Lo peor de la película
El guión. A pesar de ser efectivo y de tener una buena idea inicial, carece de la suficiente originalidad y cae fácilmente en los estereotipos tan comunes del cine peor cine comercial yanqui.

Momentazos
Sin duda el mejor momento de la película es el espectacular plano-secuencia con los ladrones entrando en la casa. Todo un virtuosismo técnico al servicio de la intriga.

A LA REVOLUCIÓN EN UN DOS CABALLOS

No quiero pecar de frívolo, pero ver soldados con claveles en los cañones de los fusiles diciendo “compañeros” con su mejor sonrisa... pues vale, pudo ser verdad, pero queda inverosímil y más antiguo que una canción de Ismael Serrano. Y es que a esta bienintencionada road movie a la europea le pierde su mirada nostálgica y llena de tópicos. Ese exceso de almibar te saca de la película para acabar mascullando estas inevitables palabras: “¡bufff, que peli más ñoña!

También es verdad es que a mi esa época, los años 70, me pilló viendo la luz de un gris hospital franquista. Quizá a los espectadores de generaciones anteriores les traiga bonitos recuerdos y la disfruten más, pero lo que es a mi... Menos mal que adopta un tono de comedia ligera y en ocasiones tiene cierta gracia, que si no...

Lo mejor de la peli
1. A pesar de algunos pequeños fallos, la ambientación setentera. Como decía el dire de la peli, Mauricio Sciarra, “es más difícil ambientar un filme de época en los 70 que en el siglo XVIII”.

Lo peor de la peli
1. Su, en ocasiones, molesta ñoñería. Aunque a veces consigue eludirla de forme ocurrente –véase el final- en muchos momentos los tópicos izquierdistas y las nostalgia por ese “cualquier tiempo pasado fue mejor” llega a resultar pelín cargante.

2. El momento viejo-anarquista-con-actor-veterano. En este caso no es Fernando Fernán Gómez sino Paco Rabal, que en paz descanse. ¿Hasta cuando se va a repetir ese topicazo?

Momentazo
El final. Menos mal que ese divertido y agudo chiste final salva un poco la película del cada vez más lamentable tono nostálgico y ñoño que iba ensuciándola.

COSAS QUE DIRÍA CON SÓLO MIRARLA

'Cosas que diría con sólo mirarla' es el típico filme que se suele denominar con el sexista nombre de 'película de mujeres'. Esto es, una película llena de buenas actrices, muchas de ellas en una edad -pasando los 40- que ya no es ¿rentable¿, interpretando historias de mujeres llenas de sensibilidad y ternura (otros dirían sensibleras). Pues sí, es ese tipo de película, y a mucha honra.

A pesar de que hay algunas historias más interesantes que otras, la película funciona bastante bien, sobre todo por el gran plantel de actrices, todas estupendas. La única pega es que el director ha trasladado un buen guión de forma bastante convencional. No ha sabido sacar mucho partido de esa forma de contar en forma de puzzle que puso tan de moda Robert Altman con su película 'Vidas cruzadas'. Aún así, si estáis hart@s de los fuegos artificiales de Lucas o de vampiros chupando sangre a ritmo de hardcore, disfrutareis con esta película.

Lo mejor de la peli
1. Sin duda la interpretación de las actrices. Se nota que es un proyecto querido por todas. Dada la falta de buenos papeles para mujeres en Hollywood, esta es una oportunidad que ninguna quería desaprovechar.

2. El título, “Things You Can Tell Just by Looking at Her”. Es difícil atreverse a poner un título tan evocador y que no quede cursi.

Lo peor de la peli
Su estilo demasiado televisivo, excesivamente funcional, y el desequilibrio entre unas historias (emocionantes y divertidas) y otras (más convencionales y tópicas).

Momentazos
1. Hay muchos buenos momentos, pero yo destacaría varias escenas entre Glenn Close y su madre anciana y enferma. Su relación está reflejada con una naturalidad y una ternura poco comunes.

2. La historia de amor lésbico entre Calista Flockhart (delgadísima) y Valeria Golino (guapísima). No es frecuente un retrato tan realista y tierno de una relación lésbica en el cine made in Hollywood.

THE FLUFFER

'The Fluffer' es una de esas películas que juega con la ventaja del morbo que provoca su título y su argumento. La historia de un chico que se hace “estimulador” del actor porno del que se ha enamorado es, a priori, de lo más atractiva y llena de posibilidades. Lo malo es que el director no le saca el jugo necesario. La película es una, a ratos interesante en otros aburrida, historia de amour fou y narcisismo, con el sórdido trasfondo de la industria del cine porno gay. No esta mal, pero no esperes encontrar ese Boggie Nights gay que pretende la publicidad.

Lo mejor de la película
1. La vocación realista en el retrato de la industria del porno gay. Ni excesivamente sórdida ni un paraíso underground de sexo, drogas y cintas de vídeo.

2. La fabulosa interpretación de Roxanne Day. Perfecta como sufriente novia del actor porno y muy digna bailarina de barra americana.


Lo peor de la película
La sensación de haber visto una historia que daba para mucho y lo desperdiciada que está en manos de los dos directores.

Momentazos
1. El show que le hace la novia del actor al enamorado protagonista. Muy bien planificada, con un diálogo lleno de dobles significados y una actuación genial por parte de ella.

2. La escena donde vemos en toda su extensión el talento del actor porno. ¿Será una prótesis como en Boggie Nights?

3. Las ilustres apariciones de Deborah Harry, la cantante de Blondie, y del director de porno gay Chi Chi La Rue, en una actuación musical digna de Almodóvar y McNamara.