ELIZABETH: LA EDAD DE ORO

Director: Shekhar Kapur
Actores: Cate Blanchett, Clive Owen, Geoffrey Rush, Jordi Mollà
Calificación: 4 /10

Que nadie espere ver en 'Elizabeth: la Edad de Oro' una lección de historia. La segunda parte de 'Elizabeth' es una visión entre hollywoodiense y bollywoodiense de la época de la reina Isabel I de Inglaterra. Un vehículo para el lucimiento de Cate Blanchett y una oportunidad para que la diseñadora de vestuario Alexandra Byrne ('El fantasma de la ópera') se luzca como nunca.

'Elizabeth: la Edad de Oro' es un quiero y no puedo. Pretende ser más seria de lo que en realidad es, mezclando la peripecia personal (sentimental) de la reina con la colectiva (las tensiones de su reinado). Pero no lo consigue: le sale el ramalazo kitsch por todos lados.

¿El problema? Se avergüenza de él, de su propia condición de exploit de época, de su visión petarda de la historia. Y es una pena. Si hubiera dado el paso y se hubiese lanzado hacia la hagiografía desacomplejada, hacia el exceso y la grandilocuencia, hacia la divina reinona y no a la reina divinizada, la película hubiera tenido muchísima más gracia. ¿Se imaginan lo que hubiera hecho Baz Luhrmann con este material?

Lo mejor: El diseño de vestuario de la reina. O cómo convertir a un personaje histórico en toda una diva contemporánea.

Lo peor: La pretendida seriedad de la propuesta. ¿Pero cómo va a ser seria una película con Felipe II en plan supervillano de cómic?

Momentazo: La reina, cual Juana de Arco -montada en un caballo blanco, con una reluciente armadura y el pelucón al viento- arengando a las masas contra España. Si esto no es kitsch...

DESEO, PELIGRO

Director: Ang Lee
Actores: Tony Leung Chiu Wai, Joan Chen
Calificación: 7 /10

Ang Lee sigue sacando punta a los géneros clásicos de Hollywood. Después de sacar del armario al western, en 'Deseo, peligro' explicita lo que melodramas en tiempos de guerra como 'Casablanca' ocultaban: el sexo.

De vocación cinefílica, Ang Lee reconstruye toda una época para poner en escena una intensa historia de amor y espionaje donde lo mejor son las controvertidas escenas de sexo. Escenas que no son meramente exhibicionistas o eróticas sino que ayudan a caracterizar a los personajes, hacen avanzar la acción y contienen suculentos niveles de lectura.

A pesar de resultar algo larga y demasiado contenida, 'Deseo, peligro' es un buen de melodrama erótico sobre personajes que, como el Jack Twist de 'Brokeback Mountain', sufren atrapados detrás de su propia máscara.

Lo mejor: Las (intensas) escenas de sexo.

Lo peor: Su excesiva duración y fría contención.

Momentazo: La (emocionante) secuencia del anillo y cada uno de los encuentros sexuales.

REC

Director: Paco Plaza, Jaume Balagueró
Actores: Manuela Velasco, Vicente Gil, Pablo Rosso
Calificación: 6 /10

Balagueró y Plaza se apartan del terror atmosférico y algo académico que les ha hecho populares -sobre todo al primero- y se acercan con '[REC]' al horror formalmente hiperrealista de películas como 'Holocausto caníbal' o 'El proyecto de la bruja de Blair'.

'[REC]' busca funcionar en dos niveles: como parodia del reportaje televisivo tipo Callejeros y como cine de terror con zombis. Por medio de una hábil puesta en escena, utilizando los mecanismos estilísticos y narrativos de ese tipo de programas, y gracias a la (metanlinguística) elección de la actriz y presentadora Manuela Velasco como intérprete de la irritante presentadora protagonista, el primer objetivo está más que conseguido. '[REC]' es una parodia tan divertida como aguda.

Pero, ¿y cómo película de terror? ¿Funciona? ¿Da miedo? Pues muy poco, la verdad. Los actores valen para representar un reality, pero no para dar credibilidad a la amenaza de una epidemia zombi. Las situaciones dramáticas les superan (también a los directores) y resultan del todo inverosímiles. Atemorizar al espectador a base de gritos e histéricas expresiones de pánico recogidas por una cámara inestable, tan temblorosa como los protagonistas, no es suficiente.

Aun así, es indudable la capacidad de Balagueró y Plaza para llevar a sus últimas consecuencias la opción narrativa elegida. Está muy bien justificado el hecho de "ver la película" a través de la cámara del programa de televisión. No rechina nada su utilización en los momentos más dramáticos, en aquellos en que lo verosímil sería dejar la cámara y ponerse a correr. En suma, una película tan interesante como fallida.

Lo mejor: La parodia de la tele-realidad y las presentadoras impresentables.

Lo peor: No funciona como película de terror con zombis.

Momentazo: El (estupendo) principio de la película, hasta que se desata la tragedia.

GARÇON STUPIDE

Director: Lionel Baier
Actores: Pierre Chatagny, Natacha Koutchoumov, Rui Pedro Alves
Calificación: 8 /10

'Garçon stupide' es una de las películas más interesantes estrenadas este año. Aunque no del todo lograda -por culpa de algunos personajes y subtramas poco elaboradas (la de la amiga del protagonista)- el primer largometraje del suizo Lionel Baier es una propuesta de estimulante radicalidad, un filme de gran libertad creativa que cuenta con uno de esos personajes que no se olvidan: el tierno Loic, que viaja desde la inconsciencia adolescente, la promiscuidad sexual y el alienamiento urbano, hasta el autoconocimiento, la revelación ¿espiritual? y el aprendizaje vital. De garçon stupide a homme savant.

Lo mejor: El (inolvidable) personaje de Loic, el trabajo fotográfico y la libertad creativa que se desprende de las imágenes del filme.

Lo peor: Algunas subtramas innecesarias o poco elaboradas.

Momentazo: Loic y su poética y reveladora visita al parque de atracciones.

EL MERCADER DE VENECIA

Como ya dijimos a propósito de 'A good woman', la estupenda adaptación de 'El abanico de Lady Windermere', estropear un texto, en este caso, como el de Shakespeare, es casi imposible. ¡Si hasta el histriónico Mel Gibson hizo un buen Hamlet! Partiendo de este hecho, si ese infalible ingrediente principal lo sazonas con una buena ambientación y unos competentes intérpretes, el plato saldrá, como mínimo, comestible.

'El mercader de Venecia' se puede comer, no indigesta, pero no es una exquisitez. Primero porque, para mi gusto, no es una de las mejores obras de Shakespeare. A pesar de contar con uno de sus mejores personajes, el atormentado prestamista Shylock, creo que su indefinida mezcla de comedia y drama no le beneficia, así como aspectos de la obra, como lo de los cofres, que se han vuelto previsibles y algo pasados de moda: ¿alguien no sabía cuál era el correcto? Segundo porque, salvo Pacino, los demás intérpretes están correctos, sin más. Y tercero, porque la dirección, salvo momentos como el juicio, no pasa de funcional. Una académica ilustración de un texto sin mucho que aportar, arriesgar, en cuanto a la puesta en escena.

Lo mejor: Al Pacino. Sólo por su interpretación merece la pena ver la película

Lo peor: Su corrección académica que, me temo, esconde o pereza o falta de talento por parte del director.

Momentazo: El gran momento de la película es la secuencia del juicio, una obra maestra del suspense y auténtico precedente del subgénero del cine de juicios.

CUATRO HERMANOS

Cuatro hermanos, cuatro estereotipos: el impulsivo y carismático Bobby (Mark Wahlberg), el fiel y seductor Angel (Tyrese Gibson), el redimido padre de familia Jeremiah (André Benjamin) y el sensible hermano pequeño gay Jack (Garrett Hedlund). Y la madre (Teresa de Detroit) y el policía (que se crió en esas calles) y el mafioso (psicótico y hortera)... Todo en esta película es reiterativo, todo lo hemos visto muchas veces, todos nos suena.

Lo que eleva a 'Cuatro hermanos' por encima de la media, lo que le permite mirar desde arriba a las decenas de thrillers de acción convencionales e insustanciales que se estrenan cada año, es su vigor narrativo, su calculado ritmo, su excelente montaje, que hace que el interés del espectador por la historia, a pesar de sus evidentes deficiencias, no decaiga en ningún momento. Entretenida, sin más.

Lo mejor: Que está muy bien contada, aunque lo que cuenta interese bastante poco: la enésima historia de venganza sin nada nuevo que aportar.

Lo peoR: Personajes unidimensionales, estereotipados y mal escritos inmersos en una historia convencional, repetitiva y de rancio discurso (el típico ojo por ojo tan del gusto de los norteamericanos o ese sentido mafioso del sindicalismo).

Momentazos: El ataque sorpresa al hermano pequeño. Vibrante, contundente y emocionante.

EL SECRETO DE LOS HERMANOS GRIMM

Como ocurre en la mayoría de las películas de Terry Gilliam, en 'El secreto de los hermanos Grimm' la desbordante imaginería visual está muy por encima de la historia narrada, la forma domina sobre el fondo, devorándolo y casi anulándolo. El guión es ingenioso: dos escritores de cuentos que viven del cuento, representando cuentos y que acaban inmersos en un cuento de verdad; pero la historia se diluye entre bajones de ritmo, humor bobalicón y barroquismo visual. Conclusión: un aburrimiento deslumbrante.

Lo mejor: Su belleza estética y el buen ritmo de la última media hora de película.

Lo peor: Que tanta exuberancia visual acaba por empachar más que una película de Peter Greenaway.

Momentazos: La hermosa y espectacular muerte de la reina del espejo y la captura de la niña Sasha, cómo se queda sin cara y emerge del río cual Ofelia prerrafaelista.

LA VIDA SECRETA DE LAS PALABRAS

Como la espléndida 'Mi vida sin mí', la nueva película de Isabel Coixet es un drama intimista, contado en voz baja, sobre el peso del pasado, las heridas físicas y psicológicas, la búsqueda de la paz en un mundo hostil y sobre el inmenso poder del amor. Un buen guión, unos estupendos interpretes, una banda sonora llena de inmensas canciones (Antony and the Johnsons, Tom Waits). Entonces... ¿por qué 'La vida secreta de las palabras' no funciona? ¿por qué no llega al espectador con la misma intensidad que su anterior película, incluso como en 'Cosas que nunca te dije'?

Cuando lo tienes todo a favor para hacer una buena película, incluido medios (detrás está la productora de Almodóvar, El Deseo), y ésta no funciona, hay que achacarlo a la dirección. Coixet no ha sabido sacar partido a todo ese potencial, no ha podido transmitir al espectador -o por lo menos a mí- la intensidad emocional que pretendía contando esta historia. Yo me quedé fuera, observando desde muy lejos una historia que no me llegaba, viendo un dramón sin echar una lágrima, como el que ve una comedia y no se ríe. En definitiva, una película con mejores intenciones que resultados.

Lo mejor: Los actores, sobre todo la pareja protagonista.

Lo peor: Cuando uno escucha este diálogo (cito de memoria): 'un día empezaré a llorar y no podré parar, llenando mi habitación donde nos ahogaremos' -dice ella- 'prometo aprender a nadar' -dice él-, y no se le llenan los ojos de lágrimas, es que algo falla, en la película o en mi.

Momentazo: Las palabras dichas y no dichas entre el personaje de Tim Robbins y el de Sarah Polley mientras éste está convaleciente y ella le cuida. Lo mejor de la película.

JUEGOS DE MUJER

'Juegos de mujer' es un drama romántico con trasfondo bélico que, según su propio director, remite a las películas de David Lean ('Doctor Zhivago', 'Lawrence de Arabia'). Pero una cosa son las intenciones y otras los resultados. 'Juegos de mujer' está más cerca de un telefilme de lujo que de 'La hija de Ryan'. Es un melodrama bien interpretado, ambientado y narrado, pero lastrado por un guión lleno de tópicos y, lo que es peor, demasiado previsible. ¿Alguien no sabía las verdaderas intenciones del personaje interpretado por Charlize Theron?

Rodada con corrección, sentido del ritmo y una puesta en escena solvente, la película no emociona como pretende pero tampoco aburre, que ya es algo.

Lo mejor: Que funciona bien como entretenimiento. No se hace pesada a pesar de su larga duración.

Lo peor: La debilidad del guión.

Momentazo: El recuentro tras la guerra de España. Como ella le mira con alegría pero, consciente de papel que está jugando en secreto, prefiere sacrificarse y pasar de largo. Sutil y emocionante.

EL SABOR DE LA SANDÍA

'El sabor de la sandía', exótico título del original en inglés 'The wayward cloud', es una nueva obra maestra de Tsai Ming Liang. Y van siete. Quien esto escribe tuvo la oportunidad de descubrir su filmografía completa en el Festival de Gijón y quedó fascinado. El heredero del cine de autor europeo de los 60, sobre todo de Antonioni y Truffaut ('Los 400 golpes' es su película de referencia), es un cineasta indispensable en el cine contemporáneo. Un poeta que recita sin palabras y retrata con planos largos y estáticos, dando tiempo al espectador para su contemplación, la soledad y la incomunicación urbanas.

'El sabor de la sandía' retoma a la pareja protagonista de uno de sus mejores trabajos, 'What time is it there?' (y su continuación en forma de corto, 'The Skywalk is gone'), y los coloca en un entorno de gran fuerza metafórica: la ciudad de Taipei inmersa en una terrible sequía. Falta agua. Falta amor.

Tsai Ming-Liang crea una sus obras más provocativas hasta la fecha. Un musical camp, lleno de sexo explícito, humor tatiano y descarnado romanticismo. Perfecta para iniciarse, sin prisas, en el cine de uno de los nombres claves de la vanguardia cinematográfica.

Lo mejor: Que por fin se estrene.

Lo peor: Que no obtenga el merecido éxito, aunque sea minoritario.

Momentazo: La escena final de la película. Alto voltaje erótico de un lirismo sobrecogedor. Hay que verla para creerla.

EN SUS ZAPATOS

'En sus zapatos' es todo lo que siempre quiso ser 'El diario de Bridget Jones' y nunca consiguió: una estupenda comedia dramática (o melodrama con toques de humor, tanto da), basada en el best seller homónimo de Jennifer Weiner, sobre dos hermanas en plena crisis de los 30, que el director Curtis Hanson rueda con oficio y sentido del ritmo, apoyándose en el buen nivel interpretativo de las tres actrices protagonistas y, sobre todo, en un férreo guión que, salvo en contadas ocasiones, sabe mantener muy bien el equilibrio entre dramatismo y comicidad, entre sensibilidad y sensibleria.

Lo mejor: las tres actrices protagonistas y todas esas viejecitas de Miami.

Lo peor: un exceso de azúcar, sobre todo al final.

VIRGEN A LOS 40

'Virgen a los 40' tiene los mismos defectos y virtudes que las últimas comedias de los hermanos Farrelly: muy buenos gags, la mayoría escatológicos y sexuales, dentro de un conjunto irregular donde las escenas de transición entre chiste y chiste son tan insufribles como las de una película porno entre polvo y polvo. Una película para ver con el botón del FF apretado.

Lo mejor: la secuencia de la depilación, los chistes a propósito de las erecciones matutinas, el speed dating...

Lo peor: lo aburrido que resulta todo lo que no son chistes.

LOS DOS LADOS DE LA CAMA

Lo mejor que se puede decir de 'Los dos lados de la cama' es que mantiene el nivel de la primera parte. Sigue siendo una película divertida, con un guión lleno de ingenio que aprovecha las facultades cómicas de sus protagonistas, cada uno en su estilo, por lo que si no te convencen unos (María Esteve, Guillermo Toledo) lo harán otros (Ernesto Alterio, Alberto San Juan).

Los números musicales siguen siendo cutres y algunos hasta innecesarios (el de los taxis), aunque ha mejorado el nivel de imbricación de las canciones con la trama argumental, destacando el mix de canciones de Alaska y, sobre todo, la apoteósica entrada de Alberto San Juan cantando el impagable 'Gavilán o paloma' de Pablo Abraira.

Lo mejor de la película: Su excelente sentido del ritmo, del humor, y un descubrimiento, la estupenda Pilar Castro (vista en cintas gays como 'Segunda piel' o 'Descongélate')

Lo peor de la película: Lo forzadas y poco creíbles que resultan muchas de las relaciones entre los y las protagonistas. Estrategias de guión que tensan la cuerda argumental hasta deshilacharla y hacerla inverosímil.

Momentazo: Ya lo hemos dicho pero hay que repetirlo: Rafa (Alberto San Juan) llegando a casa de Javier y Pedro entonando aquello de 'Amigos, hay que ver cómo es el amor...'. Gran momento.

IRENE

Irene es algo así como la respuesta francesa a la insufrible 'Bridget Jones', una comedia sentimental sobre treintañeros en crisis, que combina con irregular fortuna romanticismo (estupenda la idea de la viodeconferencia, muy blanda y previsible la solución final) y humor (buenos momentos de comedia física, no tan buenos de chistes verbales). Ideal pasar un buen rato, ver como la de France se 'come' a la Zellweger y poco más. ¿Suficiente?

KING KONG

Parafraseando la inmortal frase con la que acaba el 'King Kong' de 1933 -"No fueron los aviones, fue la belleza quien mató a la bestia"- no han sido los aviones los que han matado el 'King Kong' de Peter Jackson, ha sido la nostalgia. El director de 'El señor de los anillos' ha hecho con 'King Kong' lo que hace Garci con sus películas, un ejercicio de cinéfilo llorón.

'King Kong', versión 2005, es un cursi, domesticado y almibarado melodrama zoofílico, de una irritante corrección política (se ha eliminado la famosa y perversa escena del mono desnudando a la chica), de excesiva e injustificada duración (de la poco más de hora y media que duraba la original pasamos a más de ¡tres horas!), sólo soportable por las brillantes secuencias de acción que adornan una de las historias de amor peor contadas del cine reciente.

Lo mejor: La lograda ambientación y las secuencias de acción, aderezadas con un notable sentido del humor.

Lo peor: Su empalagoso sentido del melodrama y lo larga y pesada que se hace.

Momentazo: Destacan, por su profusión y espectacularidad, las peleas que acontecen en la isla de la Calavera. Con especial atención al sangriento combate entre Kong y los dinosaurios mientras mantiene a la chica sujeta en una de sus manos. Muy buena.

EL ASESINATO DE JESSE JAMES POR EL COBARDE ROBERT FORD

Director: Andrew Dominik
Actores: Brad Pitt, Casey Affleck, Sam Shepard
Calificación: 9 /10


















Después de protagonizar uno de los peores western de la historia del cine ('Leyendas de pasión'), Brad Pitt ha producido, trece años después, uno de los mejores.

'El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford' es un postwestern grandioso. Un poema fúnebre, de evocadora melancolía (gracias a una excelente banda sonora y un esmerado trabajo fotográfico), sobre la figura legendaria de Jesse James (estupendo Brad Pitt).

Un personaje visto a través de los ojos de un fascinado Robert Ford (impresionante Casey Affleck), que poco a poco, conforme va descubriendo el lado prosaico del mito, va transformando su amor en odio hacia un hombre que es incapaz de hacer frente a su propia leyenda.

Lo mejor: La interpretación de Casey Affleck y la evocadora atmósfera del filme.

Lo peor: Algunos (innecesarios) subrayados verbales sobre las inseguridades y complejos de Robert Ford.

Momentazo: El asesinato. Bello, lírico y dramático.

En una palabra: Crepuscular.

NO BASTA UNA VIDA

Director: Ferzan Ozpetek
Actores: Stefano Accorsi, Margherita Buy, Pierfrancesco Favino
Calificación: 5 /10













Quien busque algo original en la nueva película del discreto director Ferzan Ozpetek, tanto en el contenido como en la forma, se llevará un buen chasco. No, no es cine de autor. Por el contrario, quien busque pasar el rato con un melodrama resultón, medianamente entretenido y bastante sensiblero, habrá acertado.

'No basta una vida' (absurda "traducción" de 'Saturno Contro') es una convencional historia de burgueses de mediana edad, en permanente crisis existencial y sentimental, cuya única novedad radica en la pluralidad de tendencias sexuales que exhiben sus protagonistas y en la naturalidad con la que son mostradas.

Rodada con bastante elegancia, Ozpetek es capaz de combinar momentos muy potentes dramáticamente, con otros forzados y poco inspirados. Una irregular propuesta que gustará a los más "sensibles" y defraudará a los más exigentes.

Lo mejor: Algunas (afortunadas) salidas de tono dentro de un conjunto demasiado convencional. Estilosos y vigorosos planos-secuencia que por momentos recuerdan a la fina caligrafía practicada por Wong Kar Wai.

Lo peor: Lo cursi y forzado de muchas situaciones (la ensoñación de la amiga drogadicta, el baile de las croquetas) que sacan al espectador de la tela melodramática en la que intenta ser enredado.

Momentazos: El presentimiento colectivo en el hospital. Una fabulosa efectiva puesta en escena (el travelling circular) de gran fuerza dramática y poética.

LA EXTRAÑA QUE HAY EN TI

Director: Neil Jordan
Actores: Jodie Foster, Terrence Howard, Naveen Andrews
Calificación: 7 /10














Si en los 70 y primeros 80 el justiciero urbano tenía la facha malhumorada de Charles Bronson, ahora son las mujeres las que están protagonizando las más representativas historias de venganzas al margen de la ley.

'La extraña que hay en ti' (horrorosa traducción de 'The Brave One') se posiciona en un lugar más cercano a la realidad, al asfalto de las calles de Nueva York, que las más estilosas e hiperbólicas 'Sympathy for Lady Vengeance', 'Kill Bill' o 'Death Proof'.

Haciendo equilibrios entre el dramón telefilmero y el thriller urbano, la película se beneficia de la estupenda interpretación de Jodie Foster (perfecta como mujer atormentada), la solvencia del director para narrar la historia y el interesante dilema moral -¿reaccionario o ambiguo?- que plantea la película.

Lo mejor: Jodie Foster y su química con Terrence Howard. Juntos protagonizan los mejores momentos de la película.

Lo peor: Algunos excesos sentimentaloides, "casualidades" del guión y el tópico personaje de la vecina.

Momentazo: El hábil y poético montaje en paralelo del reconocimiento médico y el "reconocimiento" sexual.

DEATH PROOF

Director: Quentin Tarantino
Actores: Kurt Russell, Rosario Dawson, Zoe Bell
Calificación: 7 /10












'Death Proof' es un ejemplo más de la capacidad de Tarantino para transformar materiales de deshecho en estilizados y metalinguísticos divertimentos.

A diferencia de Rodríguez y su 'Planet Terror', Tarantino sí es capaz de trascender la mera fotocopia posmodernista y, como si de un dj cinematográfico se tratara, crear una obra sumamente personal.

Tomando como referencias subgéneros de los 70 como el slasher y las películas de persecuciones de coches, Tarantino exhibe su virtuosismo en la puesta en escena y el montaje (atención a la persecución final), su eficacia en la mezcla de referentes estéticos (musicales y visuales) y en la escritura de diálogos, aunque más flojos de lo habitual.

Sólo hay una pega: el metraje añadido ralentiza mucho el ritmo de la película, sobre todo en su primera parte.

Lo mejor: La habilidad de Tarantino para mezclar materiales diversos sin caer en el pastiche resabiado o en el homenaje cinéfilo-nostálgico.

Lo peor: Los diálogos -por debajo de su nivel habitual- y el exceso de metraje insustancial, añadido para estrenarse en Europa.

Momentazos: La (excelente) persecución final y los (impactantes) asesinatos.

HAIRSPRAY

Director: Adam Shankman
Actores: John Travolta, Queen Latifah, Michelle Pfeiffer
Calificación: 5 /10











Con 'Hairspray' pasa algo muy parecido que con 'Los productores'. Las dos son adaptaciones de musicales de éxitos que a su vez se basan en comedias de culto.

La estrategia es idéntica, y los resultados también. 'Hairspray' mantiene la línea argumental del clásico de Waters, pero resulta mucho más edulcorada y domesticada (aunque el original fuera una de las cintas más "comerciales" del director de Baltimore).

La diferencia más importante es que en el filme de Waters la comedia procedía de ver cómo los inadaptados, la familia gorda y perdedora, cuestionaba los valores de la sociedad que los marginaba.

Aquí, por el contrario, el elemento cómico radica en ver cómo baila una mujer gorda que no es más que un disfraz al servicio de una estrella. Es la distancia que hay entre Divine y Travolta, entre una diva trash y un multimillonario actor de Hollywood. 'Hairspray', versión 2007, no va más allá del musical entretenido y correcto para toda la familia.

Lo mejor: La Pfeiffer haciendo de Velma Von Tussle, los estupendos títulos de crédito del final y algunos números musicales.

Lo peor: La (innecesaria) elección de John Travolta para el papel de Edna Turnblad, incapaz de besar a un hombre ni vestido de mujer.

Momentazo: El arranque de la película, con una de las mejores canciones del filme: 'Good Morning Baltimore'.

CAÓTICA ANA

Director: Julio Medem
Actores: Manuela Vellés, Charlotte Rampling, Bebe
Calificación: 3 /10











El estreno de 'Caótica Ana' ha confirmado lo que muchos admiradores de Medem ya intuíamos: la carrera del autor de obras maestras como 'Tierra' o 'Los amantes del círculo polar' está en franca decadencia.

'Caótica Ana' es, de largo, su peor película. Un indigesto batiburrillo de espiritualidad new age, burdas metáforas psicoanalíticas (esas "puertas") y simplona denuncia política (la caricatura del "imperialista" político yanqui). Y todo ello (mal) aderezado con una música a medio camino entre el ambient nueva era de Enya y los discos Sacred Spirit de los indios americanos (¿dónde está Alberto Iglesias?).

Los rasgos estilísticos que caracterizan la escritura de Medem permanecen, pero resultan vacíos, casi paródicos, despojados del poderoso lirismo al que nos tenía acostumbrados. La película mantiene el tipo durante la primera hora, siempre con la esperanza de que mejore; pero, cuando la protagonista empieza a abrir sus puertas, el espectador, decepcionado, cierra las suyas.

Lo mejor: La capacidad de Medem para crear imágenes bellas, sugerentes y poéticas, aunque aquí esté a un paso de la autoparodia involuntaria.

Lo peor: La música, lo chusco del retrato de algunos personajes y de las metáforas que utiliza, y lo mal expuestas que están muchas de las ideas.

Momentazo: Ana llegando por mar, en un velero, a Nueva York. Un imagen, esta vez sí, muy poderosa y llena de significado(s).

PLANET TERROR

Director: Robert Rodriguez
Actores: Rose McGowan, Marley Shelton, Freddy Rodríguez
Calificación: 5 /10









A diferencia de Tarantino, que es capaz de trascender con su personal mirada los materiales de desecho que utiliza, Robert Rodríguez se queda en 'Planet Terror' con la mera reproducción, con la imitación más o menos irónica -y en muchos casos facilona- de los rasgos de estilo y la materialidad de un tipo de cine de terror barato y casposo.

De esta forma, 'Planet Terror' no es más que una copia resabiada del terror de autocine, con algunos buenos momentos de acción y humor, y una estupenda protagonista (tanto la actriz como el personaje), pero que carece de los encantos de la verdadera exploitation: ingenuidad camp, desaliño formal y narrativo, sexo y violencia gratuita, y humor involuntario.

Lo mejor: La heroína, coja y con una ametralladora como pierna postiza. Todo un hallazgo.

Lo peor: Que no va más allá del juego mimético y cinéfago. Además, como puro entretenimiento gore, tampoco tiene demasiada gracia.

Momentazo: La escena de sexo con la película quemada, que aporta cierta poética formal, y la posterior "elipsis" por culpa del rollo de película perdido.

EL TIEMPO QUE QUEDA

'El tiempo que queda', vista en el reciente festival de Valladolid, donde se llevó el premio al mejor actor (Melvil Poupaud) y la Espiga de plata (algo así como el segundo premio), fue una ligera decepción para este cronista, tan devoto de este cineasta. Quizá mis expectativas eran demasiado altas. Puede. O quizá Ozon no ha estado a la altura de sus últimas y estupendas películas: 'Swimming pool' y '5 x 2 (cinco veces dos)'. También puede.

'El tiempo que queda' narra la historia de un fotógrafo de moda a quién se le diagnostica un cáncer terminal. A partir de ahí vemos cómo vivirá el protagonista ese 'tiempo que queda', desde la exploración del placer inmediato al ajuste de cuentas con su entorno o la búsqueda de la paz interior. Un argumento que recuerda a la fabulosa 'Vivir', de Kurosawa, (o a las más modernas 'Las noches salvajes' y 'Su hermano') y que Ozon expone con excesiva sensiblería, desajustes rítmicos y torpezas narrativas (los innecesarios, por sentimentaloides, flashbacks de la infancia). A pesar de ello, la película merece la pena por su final y, sobre todo, por la parte donde el protagonista visita a su abuela, interpretada por una espléndida Jeanne Moreau.

Lo mejor: Jeanne Moreau, o la abuela que todos querríamos tener (aunque queramos mucho a la nuestra).

Lo peor: demasiados desajustes de guión y secuencias que no funcionan: los flashbacks, el trío...

Momentazo: El final, tan bello, simbólico y playero como es habitual en Ozon.

VOLANDO VOY

Miguel Albaladejo ha vuelto a demostrar que no es un director acomodaticio. Su voluntad de cambio, de no repetirse película a película, es digna de admiración. Aunque, como en este caso, los resultados no sean demasiados satisfactorios. El director, según sus propias palabras, ha querido hacer 'una película completa con espectáculo, con comedia, intimismo, historia de amor, drama'. Y lo ha conseguido. Lo malo es que la mezcla no ha salido demasiado equilibrada.

'Volando voy' es una película muy irregular, que no funciona como conjunto. Como es habitual es su director, tiene muy buenos momentos de comedia (favorecido por la vis cómica de Fernando tejero y, sobre todo, Mariola Fuentes), y sorprendentes escenas de acción (la persecución por las estrechas calles de Toledo es excelente).

Pero, en cambio, naufraga en los momentos dramáticos por culpa de: 1) unas deficientes interpretaciones, que en algunos casos caen en la caricatura (Álex Casanovas como el Tío Alberto), 2) unos diálogos, sobre todo los recitados por los chicos, que suenan a falso (debería aprender de 'Barrio' o 'El bola'), 3) lo poco verosímil que resultan la mayoría de los momentos más dramáticos de la película (las palizas, por ejemplo) y 4) lo poco sutil de la caracterización psicológica de 'El pera', con esos flashbacks a modo de flashes de las palizas recibidas.

Lo mejor: la ambientación y las persecuciones de coches.

Lo peor: los momentos dramáticos y la interpretación de los chicos. No hay quien se los crea.

Momentazo
1. 'El pera' y su banda perseguidos por la policía por las estrechas e intrincadas calles de Toledo.
2. La celebración, con ecos del neorrealismo italiano, de la comunión de la hermana del protagonista.

BROKEBACK MOUNTAIN

Con 'Brokeback Mountain', Ang Lee demuestra que, en ocasiones, tomar una cierta distancia crítica y emocional sobre el material con el que se está trabajando es la mejor manera de acercarte a él, la mejor opción para ver mas allá, con una mirada de extranjero, de viajero (que no de turista). Y es que, como ya hicieran (o han hecho siempre) cineastas homosexuales con historias sobre heterosexuales (pienso en el alemán y gay Murnau y su maravillosa 'Amanecer', historia de amor hetero en EEUU), ha tenido que ser un director chino y heterosexual quien haya hecho la que, posiblemente, sea la gran película norteamericana de amor gay.

'Brokeback Mountain' lo tiene (casi) todo. Un director inteligente acostumbrado a lidiar con los materiales más diversos ('La tormenta de hielo', 'Sentido y sensibilidad', 'Hulk', 'Tigre y dragón'), dos intérpretes extraordinarios (aunque, de forma injusta, se esté llevando sólo uno de ellos todos los halagos, Heath Ledger) y una historia llena de sensibilidad, ternura y profundidad, con las dosis justas, pero poderosas, de denuncia social.

Un relato de amor imposible, contado en voz baja pero de gran intensidad dramática, dentro de un paisaje lleno de poder metafórico (¿quién no tiene su propio Brokeback Mountain?), que podría haber sido perfecta si, por culpa de un alargamiento de guión (por lo visto el relato en el que está basada se quedaba corto), no acusara una caída en el ritmo, hacia la segunda parte de la película, donde lo poco interesante que se cuenta está unido a una puesta en escena funcional y desabrida, más cercana a un telefilme tipo 'Dallas' que a la gran película que estábamos viendo. Aun así, sin duda, uno de los filmes del año.

Lo mejor de la película
1. Los dos actores. Heath Ledger y Jake Gyllenhaal están sencillamente perfectos.

2. Ang Lee, por demostrar cómo hacer una película de amor homosexual sin caer en estereotipos, corrección política o cursis mariconadas (y pienso en 'Reinas' o 'Tormenta de verano').

Lo peor de la película
Ese bajón que acusa hacia el final de la película, pero que no voy a desvelar por respeto a los que no la han visto.

Momentazo: Todos y cada uno de los que comparten los dos protagonistas en las montañas Brokeback.

MEMORIAS DE UNA GEISHA

Con 'Memorias de una geisha' pasa todo lo contrario que con 'Brokeback Mountain'. Si Ang Lee ha hecho de la necesidad virtud, sacando el mayor partido posible de la distancia física, cultural y emocional que le separaba de la historia que estaba narrando, Rob Marshall ha hecho todo lo contrario, se ha quedado fuera, como un turista en sandalias y calcetines que entra en un parque temático dedicado al folclore japonés.

El director no oculta que sólo está interesado en los elementos decorativos de la historia, un melodrama folletinesco, almibarado como pocos, del que se muestra incapaz de sacar algo parecido a una emoción humana de unos personajes convertidos en simples perchas danzarinas donde colgar lujosos kimonos. El problema es que
'Memorias de una geisha' ni siquiera funciona como puro virtuosismo formalista, como lujoso y pintoresquista envoltorio visual. Su hueco esteticismo es tan hortera como una figurita de Lladró, adornando una historia más falsa que las lentillas azules de la protagonista. Sin duda, uno de los grandes fiascos de la temporada.

Lo mejor: la labor de ambientación. Un trabajo excelente cuyos logros se ven disminuidos por lo inane de la propuesta.

Lo peor: todo lo demás.

Momentazo: El baile bajo la nieve. El único atisbo del talento visual para montar musicales que se supone tiene Rob Marshall.

EL NUEVO MUNDO

Antes de nada dos avisos para que nadie se lleve a engaño. Primero. 'El Nuevo Mundo' no es como nos la están vendiendo, una superproducción épica sobre la historia de amor entre la princesa Pocahontas y el capitán John Smith, una especie de versión con actores de carne y hueso del clásico de Disney. Nada más lejos de la realidad. La nueva película de Terrence Malick son dos horas y media de puro cine de autor de una narrativa no apta para todos los públicos.

Segundo. 'El Nuevo Mundo' es una película imperfecta. ¿Por qué, entonces, quien esto escribe le pone cinco estrellas? Muy sencillo. Porque las dos primeras horas de metraje, hasta que aparece el personaje de Christian Bale y la película se convierte en casi una parodia de si misma, son de tan alto valor cinematográfico, artístico, que me faltan estrellas para poder valorarlo en su justa medida.

Dicho esto, y dejando claro que soy un admirador de la forma de hacer cine de Malick, para algunos demasiado 'arty', 'El Nuevo Mundo' me parece, admitiendo, repito, sus imperfecciones, una de las cumbres del cine de este director, un magistral poema visual capaz de sumergirnos en un estado de éxtasis hipnótico, de alucinación trascendental que, o te fascina dejándote al borde del 'síndrome de Stendhal' o la odias y te lleva al borde de la narcolepsia.

Un proyecto, y eso no admite discusiones, cada vez más difícil de encontrar en el cine de Hollywood desde la muerte de Kubrick. Sólo por eso, merece nuestro aplauso.

Lo mejor: Que le hayan dejado hacerla.

Lo peor: La media hora final. Malick, como es habitual en él, ha montado y remontado la película varias veces, pero esta última parte sigue sin funcionar. Lo que antes era poesía whitmaniana ahora se convierte en lirismo de todo a cien; empalagoso, afectado, cursi.

Momentazo: El comienzo. Sin palabras, acompañado por el 'Das Rheingold' de Wagner y las hermosas imágenes fotografiadas por el nominado al Oscar Emmanuel Lubezki, asistimos al descubrimiento del Nuevo Mundo por parte de los colonos, y de los habitantes del Viejo Mundo por parte de los indígenas.

TRANSAMERICA

Una película como 'Transamerica' la puedes juzgar desde dos puntos de vista: el ético y el estético, el moral y el artístico, por su contenido (eso que se llama mensaje) y por su forma (cómo ese contenido se hace forma por medio de la puesta en escena).

Desde el primer punto de vista, como ya hemos dicho en el apartado 'Lo más gay', la película es ejemplar, necesaria. Un acercamiento tierno y delicado, dramático pero no solemne ni victimista, divertido pero no paródico, a la transexualidad, o, mejor dicho, a un personaje transexual, ya que la película no pretende ser un retrato universal de la transexualidad.

Desde el punto de vista cinematográfico, como producto artístico, la película no sale tan bien parada (tampoco es que salga mal). 'Transamerica' es una entretenida road movie, que se ve con agrado, y se beneficia del gran trabajo de Felicity Huffman, a quien el director confía (con acierto) todo el peso de la película. Pero, salvo por lo insólito del personaje, no deja de ser un convencional filme de carretera, muy previsible y de una estética indie de lo más vista.

Aunque, a su favor, también hay que decir que su apuesta por la sencillez nos ahorra los excesos melodramáticos y sentimentaloides a los que tanto nos tienen acostumbrado este tipo de películas (véase
'Monster'). Sólo por eso ya merece una oportunidad.

Lo mejor: Felicity Huffman. Sale muy buen parada en su interpretación de un personaje que podía haber dado pie a la más excesiva de las caricaturas.

Lo peor: Su poca ambición dramática y estética. Lo que cuenta nos lo han contado ya mil veces y aquí no se hace mejor.

Momentazo: La aparición de Bree en casa de su familia después de su transformación. Da lugar a multitud de situaciones dramáticas, tiernas y divertidas.

TRUMAN CAPOTE

'Truman Capote' no es, a pesar del título, un biopic al uso, una mera ilustración de la biografía del famoso novelista de Alabama. El debut en la dirección de Bennett Miller, apoyado por el excelente guión de Dan Futterman, describe el complicado proceso creativo de 'A sangre fría', la novela que marcaría un antes y un después en la obra y la vida de Capote.

La película, lejos de mitificar al excéntrico autor de 'Desayuno en Tiffany's', lo retrata como un egocéntrico y atormentado escritor que se debate constantemente entre su compromiso moral hacia los asesinos a los que está entrevistando -que confían en él y en su futura obra para evitar la pena de muerte- y sus sentimientos hacia uno de ellos, Perry Smith, y la culminación de su obra magna, aquella que según sus propias palabras, 'cuando pienso en lo buena que va a ser, me falta el aire'.

El director, por medio de una realización sobria y contundente, aunque algo sosa e impersonal, dejando que gran parte de la película descanse en los hombros del inmenso Philip Seymour Hoffman, quien se mimetiza de manera asombrosa con el escritor (aunque parezca exagerado, creerme, el verdadero era aún más excesivo), realiza un trabajo admirable con un material que, si bien podría haber dado mucho más de sí, haber profundizado más en las relaciones de Capote con los asesinos, así como en el impacto que el suceso produjo en el pueblo, también podría haber sido carne de excesos interpretativos y morbo sensacionalista sobre la vida disoluta del genial escritor.

Lo mejor: Que está más cerca de un biopic tan atípico como 'Dioses y monstruos' que de uno tan convencional como 'Ray' o 'Una mente maravillosa'.

Lo peor: Que la dirección está muy por debajo, o muy supeditada, a la interpretación de Philip Seymour Hoffman.

Momentazo: Las conversaciones de Capote con Perry Smith en el corredor de la muerte. Esa mezcla de enamoramiento, terapia psicoanalítica y vampirismo intelectual.

VOLVER

'Volver' es, por ahora, la mejor película de Almodóvar en lo que va de década, muy por encima de la sobrevalorada 'Hable con ella' (2002) y la mediocre 'La mala educación' (2004). El director vuelve a terreno conocido: La Mancha de 'La flor de mi secreto' (1995), los ambientes y personajes del extrarradio de '¿Qué he hecho yo para merecer esto?' (1984), las 'chicas almodóvar'..., y lo hace pisando fuerte, con la seguridad del que ya ha estado allí y conoce bien el camino.

'Volver' es un ejemplo especialmente afortunado de esa habilidad que tiene el director manchego para mezclar de forma natural y armoniosa el melodrama y la comedia, la intensidad emocional y la comicidad relajada, la tragedia más sórdida y el humor petardo y/o negro. Pero, en este caso, va aún más lejos, introduciendo un elemento fantástico, un fantasma en un contexto cotidiano, de forma admirable, (su)realista y con gran naturalidad.

Neorrealismo pop, retrato autobiográfico y antropológico, 'Volver', salvo algún desajuste de guión, es una de las cimas del arte almodovariano, capaz de sacar del espectador tantas carcajadas como lagrimones.

Lo mejor: Las actrices, todas fantásticas (mención especial para una fabulosa Blanca Portillo); la perfecta mezcla entre drama y comedia, entre realidad y fantasía; el poderoso sentido visual de Almodóvar, siempre intacto; y la magnífica música de Alberto Iglesias.

Lo peor: El desdibujado personaje del marido de Raimunda, tan mal perfilado que parece mentira que sea de Almodóvar. Caer en el manoseado tópico de ponerle bebiendo cerveza mientras ve fútbol por la tele para indicar lo machista y mala persona que es, demuestra hasta que punto está trabajado el personaje.

Momentazos
1. El reencuentro, debajo de la cama, entre la madre muerta (Carmen Maura) y la hija más 'descastada' (Penélope Cruz). Alto voltaje emocional.

2. El plano cenital durante el entierro, donde las plañideras rodean a Sole como cucarachas, así como los que abren y cierran la película: el travelling en el cementerio mientras las mujetes limpian las tumbas y el plano fijo de la puerta cubierta con un grueso cortinaje que no deja pasar la luz cegadora de La Mancha.

LOS PRODUCTORES

1) 'Los productores', versión 1968, fue el debut de Mel Brooks en el cine y lo mejor que ha hecho nunca aparte de producir 'El hombre elefante' a David Lynch. 2) 'Los productores', el musical, ha batido records de premios Tony y obtenido gran éxito en Broadway. 3) 'Los productores', versión 2006, es una adaptación casi calcada de la versión teatral, y ese es su mayor problema.

Adaptar una obra al cine, ya sea teatral o literaria, no significa llevarla tal cual, sin modificarla para acomodarla a otro medio diferente. Cuando se hace así sólo se consiguen dos cosas: o una novela ilustrada o una obra de teatro filmada.

Ese es el gran error que condiciona una película como 'Los productores'. La debutante Susan Stroman, no por casualidad responsable de la versión teatral, ha llevado la obra a la pantalla sin apenas modificaciones. Esto provoca principalmente dos problemas: 1) que los actores interpreten como en el teatro, sin 'darse cuenta' de que les están filmando en primer plano, por lo que caen en la más exagerada de las sobreactuaciones, y 2) que los números musicales estén rodados de forma funcional, sin apenas trabajo de cámara, con lo que quedan muy deslucidos a pesar de su calidad.

La película, lógicamente, mantiene la calidad del texto original y los estupendos números musicales, pero hace aguas por lo caricaturesco de los personajes, el poco nivel de muchos de los nuevos chistes (y algunos del original) y lo irregular del conjunto.

Lo mejor: Algunos números musicales y la idea original de la película

Lo peor: Las (sobre)actuaciones de todos sus intérpretes y los chistes malos, que son muchos.

Momentazos: El estreno de la obra, 'Primavera para Hitler'.

INSTINTO BÁSICO 2

'Instinto básico 2' es, desde ya, una joya del cine basura a la altura de despropósitos recientes como 'Barridos por la marea' (2002) o 'Striptease' (1996). La máxima candidata a los razzies del año que viene se convertirá con el paso del tiempo en objeto de culto trash, esa categoría de productos culturales que de tan malos son buenos.

Analizando la película desde un punto de vista serio y riguroso, no podemos decir otra cosa que 'Instinto básico 2' es la peor película estrenada en lo que va de año (de ahí la solitaria estrellita que corona esta crítica).

Pero desde una óptica más relajada, con un sentido de la ironía, digamos, posmodernista, esta segunda parte se convierte en una divertidísima comedia, en una parodia involuntaria que supera a clásicos del género (consciente) como 'Scary Movie' (2000) o la reciente 'Date Movie' (2006). Atención a la "sorpresa" final, es de aplaudir y no parar (de reír).

Lo mejor: Lo divertida que es, pese a las pretensiones de sus creadores (aunque yo creo que los guionistas saben más de lo que creemos), y el trabajo de la maquilladora de Sharon Stone (¿o será el Botox?)

Lo peor: Que como te las tomes en serio vas apañado...

Momentazo: El principio (esa masturbación en un deportivo a 170 km/h) y el final (un giro de guión capaz de dejarte con la boca abierta)

V DE VENDETTA

'V de Vendetta' es una película insólita en el panorama de las superproducciones del Hollywood actual. Convertir a un terrorista de indisimulada ética anarquista en un superhéroe es de una temeridad ideológica sorprendente.

La primera película de James McTeigue, ayudante de dirección de los hermanos Wachowski, es de una gran riqueza semántica, funcionando como: 1) cinta de acción y aventuras, 2) historia de amor, 3) distopía política futurista, 4) relectura de los cómics de superhéroes, y 5) disertación filosófica sobre la idea de justicia social (poética) y toma de conciencia personal.

A pesar de que su argumento está algo simplificado respecto al original literario (que recomiendo fervorosamente), la película mantiene intacto el espíritu idealista y combativo de éste, lleno de utopía y romanticismo, y consigue dotarle de un fastuoso envoltorio visual digno de la primera parte de 'Matrix'. Los Wachowski y James McTeigue lo han vuelto a conseguir: estamos ante una nueva película de culto.

Lo mejor: Su apabullante estilo visual, su riqueza narrativa y, por supuesto, el personaje de V, todo un mito en el mundo de los tebeos que pronto lo será en el cine.

Lo peor: El esquematismo de algunos de sus personajes, sobre todo de los malos: el presentador Lewis Prothero o el cura pederasta. Unos supervillanos que no están a la altura del superhéroe protagonista.

Momentazos
1. La (elegante) presentación de los dos protagonistas, en un montaje paralelo mientras se preparan para salir.

2. La (intensa) visita de V a la doctora responsable de los experimentos del campo del concentración.

MATADOR

'Matador' es algo así como una variación en clave de comedia de 'Extraños en un tren' (1951). Una divertida película, llena de humor negro, que basa su efectividad en un buen guión, una pareja protagonista con mucha química y una dirección al servicio de la historia y sus antagónicos personajes.

Dos hombres en crisis, de vidas opuestas, se encuentran en un bar. Se conocen, se hacen amigos y se envidian. El asesino anhela la vida tranquila, hogareña y en pareja del vendedor, y éste desea la vida errante, agitada y emocionante del asesino a sueldo. Este conflicto es la base de esta entretenida comedia, algo irregular en su conjunto (está mejor la primera parte que la segunda) y sin más pretensiones que divertir durante hora y media. Y lo consigue.

Lo mejor: La pareja protagonista, su agudo sentido del humor y el ajustado equilibrio entre pretensiones y resultados.

Lo peor: Que la segunda parte, una vez que salen de Méjico, no es tan divertida como la primera.

Momentazo: Toda la secuencia de la corrida de toros donde el asesino le muestra a un fascinado vendedor cómo hace su trabajo. Muy bien planificada, tan divertida como emocionante.

LA HUELLA DEL SILENCIO

'La huella del silencio' es un melodrama familiar, de sobremesa, al que se le han aplicado unas gotas de trascendentalismo new age, de misticismo a lo Paolo Coelho, y unos breves apuntes de crítica social: el culto a la competitividad que se inculca a los norteamericanos desde su más tierna infancia.

Todo ese batiburrillo de tramas e intenciones tiene un denominador común: la cursilería. Todo en esta película es relamido y afectado, empezando por el gran tema del filme, la desestructuración de una familia modelo norteamericana, amenazando la felicidad y la cordura de sus integrantes, y acabando por su plasmación en imágenes, con esos recursos formales, digitales, tan ñoños que alcanzan la categoría de kitsch.

Lo mejor: La niña protagonista, una especie de 'niña santa' versión USA, y las competiciones de deletreos, apoteosis del universo nerd.

Lo peor: La poco creíble relación entre Richard Gere y Juliette Binoche, por culpa de una de las peores interpretaciones de sus respectivas carreras.

Momentazo: La experiencia religiosa caleidoscópica de la mística niña. Delirante apoteosis kitsch.

PATINAZO A LA GLORIA

Director: Josh Gordon, Will Speck
Actores: Will Ferrell, Jon Heder, Amy Poehler, Will Arnett
Calificación: 8 /10










Después de semanas con estrenos de comedias sin gracia ('Los líos de Gray', 'Chuecatown', 'Café solo o con ellas', 'Another gay movie'), por fin se estrena una realmente divertida, con cómicos de talento, situaciones graciosas y gags elaborados.

'Patinaje a la gloria' funciona como vehículo para la comicidad desatada de la pareja Will Ferrell/Jon Heder, como divertida parodia de las película de deportes y como caricatura de los modos y (a)maneras del patinaje artístico.

Toda una apoteosis del kitsch, de la puesta en escena hortera y petarda, que, a pesar de su esquematismo argumental, simplón y esquelético, resulta tan divertida como efectiva.

Lo mejor: Los dos actores protagonistas y lo delirante y petardo de la propuesta.

Lo peor: Algunos recursos de guión demasiado facilones (cuando la mala le confiesa a Jimmy que obligó a su hermana a acostarse con Chazz).

Momentazo: Los números de patinaje (los dos primeros en solitario y los dos juntos), la persecución final y la consecución de "el loto de hierro".

MALA NOCHE

Director: Gus Van Sant
Actores: Tim Streeter, Doug Cooeyate, Ray Monge
Calificación: 6 /10










La primera película de Gus Van Sant está llena de defectos, de las imperfecciones propias de una opera prima realizada con más ganas que dinero: mal interpretada, peor doblada, de ritmo irregular y vacilante.

A pesar de ello, 'Mala noche' es una película llena de destellos, de detalles que deslumbran por su expresividad y belleza. Gus Van Sant contagia al espectador sus ganas de rodar, su entusiasmo a la hora de capturar con la cámara la belleza homoerótica de sus protagonistas, fotografiados en un contrastado blanco y negro, metáfora del (des)encuentro entre opuestos: homosexual/heterosexual, piel blanca/piel negra, casa/calle, mejicano/norteamericano.

En suma, un titubeante debut anticipo de sus posteriores logros como cineasta.

Lo mejor: Su frescura e imperfecta belleza.

Lo peor: Las interpretaciones de los "actores" y el doblaje posterior al no rodar con sonido directo.

Momentazo: El viaje por carretera. Todo un precedente estético de la posterior 'Mi Idaho privado'.

MISIÓN IMPOSIBLE 3

Director: J.J. Abrams
Actores: Tom Cruise, Ving Rhames, Michelle Monaghan, Jonathan Rhys Meyers
Calificación: 5 /10




La franquicia 'Misión imposible' parece agotada. Eso es lo que se deduce después de ver esta descafeinada tercera parte. No es que la segunda fuera muy buena (la buena, y mucho, era la primera), pero por lo menos era divertida y desvergonzada, una delirante macarrada Semana Santa fallera incluida.

'Misión imposible 3' es una película sosa, insustancial, sin personalidad. Ni siquiera es mala, es... anodina. Una de tantas producciones fast food envasadas al vacío que te quitan el hambre pero no saben a nada. Se nota demasiado que J.J. Abrams, el creador de 'Perdidos', ha sido un muñeco en manos de los productores, que su capacidad de decisión ha estado muy limitada. (Joe Carnahan, director de la estupenda 'Narc', dimitió por esa razón)

La película tiene todo lo que te puedes esperar. Pero ese el problema, que todo te lo esperas, que nada te sorprende. Las escenas de acción son más aparatosas que emocionantes, la intriga brilla por su ausencia y la caracterización de los personajes es inexistente. Desde aquí proponemos a Tom Cruise y Michelle Monaghan a los próximos razzies como pareja con menos química desde Hayden Christensen y Natalie Portman en 'Star Wars'.

Lo mejor: La secuencia de la elaboración de la careta. Es la única que te sorprende un poco.

Lo peor: Su corrección política (¡hasta el malo fuma!) y la cursi historia de amor (por llamarlo de alguna manera) entre Ethan Hunt y su ñoña novia.

Momentazo: Toda la secuencia en el Vaticano. Es la única divertida, con acción de calidad y elaborada intriga.

HARD CANDY

Director: David Slade
Actores: Patrick Wilson, Ellen Page, Sandra Oh
Calificación: 5 /10









El debut en la dirección de David Slade se salda con una discreta nota, un aprobado raspado. 'Hard Candy' es un filme tan interesante en sus planteamientos como irregular en su resolución.
La película empieza con fuerza, atrapando al espectador en una trama que engancha por la información que se nos escamotea, por las preguntas que plantea la ambigua relación entre los dos personajes.
Pero una vez desvelado el juego de las apariencias, que sabemos quién es quién y los motivos de su relación, la película se convierte en una rutinaria historia de venganza, en un inverosímil toma y daca entre los personajes por culpa de un guión lleno de lagunas.
Por ejemplo (no sigas leyendo si no la has visto): ¿Cómo puede una niña de catorce años trasladar el cuerpo inerte de un hombre de treinta y dos, sentarlo en una silla, colocarlo encima de una mesa, ¡de pie en otra silla!?

Lo mejor: lo sugestivo de su propuesta, una estimulante variación de thriller psicológico con dos personajes en pleno juego dialéctico. 'La huella' (1972), 'El coleccionista' (1965), 'Átame' (1990), 'Audition' (1999), 'Palabras encadenadas'(2003) o 'La muerte y la doncella' (1994) (aunque aquí había un tercero en discordia) son algunos ejemplos de este tipo de planteamientos dramáticos.

Lo peor: los fallos de guión, incomprensiblemente premiado en Sitges. Con sólo analizarlo detenidamente la historia hace aguas por todos los sitios, restando gran parte del interés a la historia.

Momentazo: La secuencia de la tortura genital. Muy bien rodada, aprovechando al máximo el poder de la sugerencia y jugando hábilmente con las expectativas del espectador. Algo así como la versión en off de la tortura gráfica de 'Audition' (kiri-kiri)

EL CÓDIGO DA VINCI

Director: Ron Howard
Actores: Tom Hanks, Audrey Tautou, Ian McKellen
Calificación: 1 /10









Lo mínimo que se le puede pedir a un producto como 'El código Da Vinci' -descarada operación de marketing aprovechando el éxito de la novela- es que te divierta y entretenga durante las dos horas y media largas (¡y qué largas!) que dura.
A diferencia de recientes (y excelentes) ejemplos de cine mainstream como 'V de Vendetta' o la tercera parte de 'X-Men', la adaptación de la novela de Dan Brown es una larga, aburrida y plomiza película, un apretado resumen del libro planteado como una sucesión de acontecimientos narrados de forma atropellada, sin fuerza, carentes de algo parecido al suspense o la emoción, e interpretados de manera acartonada por un hierático Tom Hanks y una sosa Audrey Tautou.
A juzgar por las expectativas creadas, estamos ante uno de los fiascos de la temporada. ¿Aguantará el segundo fin de semana?

Lo mejor: Ian McKellen. Es el único que ha sido capaz de dotar de suficiente entidad dramática a su personaje. Los demás, incluidos un monótono Jean Reno y un excesivo Paul Bettany, están muy por debajo de lo esperado.

Lo peor: Que a la película le faltan todos los ingredientes de los que presume: ritmo, suspense, misterio, aventura, buenas interpretaciones, polémica religiosa...
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Momentazo: La secuencia en casa de Sir Leigh Teabing (Ian McKellen). Es la única donde funciona bien la explicación hablada con su puesta en imágenes. Consigue transmitir al espectador la emoción del descubrimiento a medida que lo hacen los protagonistas.

X-MEN 3: LA DECISIÓN FINAL

Director: Brett Ratner
Actores: Halle Berry, Kelsey Grammer, Hugh Jackman
Calificación: 7 /10









Ahora que estamos en época de blockbusters -salimos a uno por semana: 'Misión imposible III', 'El código da Vinci'; y los que quedan: 'Superman Returns', 'Poseidón', la segunda parte de 'Piratas del Caribe'- es inevitable compararlos. Y hasta el momento 'X-Men 3' se destaca como el mejor de todos. Y con diferencia.

La tercera parte de las aventuras de la Patrulla X es un ejemplar producto de entretenimiento capaz de conjugar excelentes secuencias de acción, de las mejores de la serie, con una trabajada caracterización de personajes, un atinado sentido del humor y una historia de gran calado emocional y fuerte dimensión moral. A pesar del cambio de director, 'X-Men 3' es tan divertida, emocionante y espectacular como las dos anteriores entregas.
Aviso: espera a que acaben los títulos de créditos, aún hay más.

Lo mejor: Comprobar como, a diferencia de lo que suele habitual, la saga 'X-Men' no se ha degradado secuela a secuela, gastando más dinero en publicidad que en talento artístico. Son películas cuidadas, mimadas, que dan tanta importancia a la acción y a los efectos especiales, como a la historia y a los personajes.

Lo peor: La estética retro de la saga puede caer simpática en algunos momentos pero en otros puede ser perjudicial. Ver a Magneto moviendo puentes con ese casco de espantoso diseño o a Bestia en el Parlamento con ese maquillaje de Príncipe Azul encantado provoca un rechazo que afecta al sentido de algunas secuencias, desviando la atención de lo importante a lo superfluo.

Momentazo: Las dos demostraciones del inmenso y letal poder de la mutante Dark Phoenix. Una mezcla perfecta de acción y emoción, de suspense y drama, de erotismo (incluye un ingenioso striptease de Lobezno) y pasión amorosa.

THUMBSUCKER

Director: Mike Mills
Actores: Lou Taylor Pucci, Tilda Swinton, Keanu Reeves
Calificación: 7 /10









Chuparse el dedo cuando eres adolescente es una adición como otra cualquiera, un signo claro de desequilibrio psicológico, de trastorno por déficit de atención. De eso habla la estupenda 'Thumbsucker', de las adiciones cotidianas a las que nos agarramos para esconder o sobrellevar nuestras frustraciones vitales, nuestro vértigo existencial.

El debutante Mike Mills ambienta la película en un suburbio de Oregón, una de esas zonas residenciales de la clase media norteamericana donde las apariencias esconden miedos, insatisfacciones y desorientación, cuando no desgarradoras verdades ocultas.

Esos lugares que tan bien han retratado directores como Todd Solondz o David Lynch y que ahora Mills plasma de manera menos contundente pero con el mismo humor excéntrico, intensidad dramática y poética de inconfundible aliento indie. Una estética muy gastada por su (ab)uso, que suele pecar de autocomplaciente, pero que en este caso funciona bastante bien.

Lo mejor: 1) Los personajes. Raros, tiernos y estúpidos. 2) Tilda Swinton, estupenda como siempre, 3) las canciones de Elliott Smith, por supuesto, y 4) que su estética indie, algo estereotipada y pasada de moda, no está por encima de la historia que cuenta, sino a su mismo nivel y muy bien engarzada.

Lo peor: La falta de auténtico calado emocional y estético. La sensación de que Mike Mills es más un hábil artesano indie, un producto del Sundance más convencional, que un verdadero autor con una mirada propia.

Momentazos: Los protagonizados por Tilda Swinton, tierna y divertida en su retrato de madre insatisfecha cuya adicción son las telenovelas y sus fantasías con uno de los galanes que las protagoniza.

THE KING

Director: James Marsh
Actores: Gael García Bernal, William Hurt, Pell James
Calificación: 8 /10









'The King' es de esas películas de gran riqueza metafórica, donde cada plano, cada detalle, cada mirada, dice más que lo que parece a simple vista. El debutante James Marsh se introduce en las grietas de la 'América profunda' y saca a la luz sus miserias, su mala conciencia disimulada por el manto reconfortante de la religión.

Como en 'Una historia de violencia' (2005), el pasado vuelve en forma de extraño, de hijo bastardo (e hispano) que irrumpe en busca del amor que se le ha negado, trastocando así una realidad, la de la familia del pastor baptista (blanca y conservadora), tan ordenada e idílica en la superficie como frágil e inestable en su interior.

'The King' es una película muy ambiciosa, quiere tratar muchos temas (la falsa moral religiosa, el pecado, la venganza, el amor incestuoso, los conflictos raciales) y mezclar muchos tonos (el retrato sociológico, la película de intriga, el cuento gótico, el melodrama familiar), saliendo airoso en la mayoría de las ocasiones pero no en todas. Como, por ejemplo, en un precipitado e insatisfactorio final. Pero, aun así, no deja de ser una estimulante propuesta para la anoréxica cartelera estival.

Lo mejor: 1) La interpretación de Gael García Bernal, que saca todo el partido a esa mirada suya, al mismo tiempo tierna e inquietante. 2) Su sobriedad y riqueza narrativa, y su gusto por el detalle (esos repetidos planos de manos, tan expresivos). 3) Su retrato del 'deep south': ácido, inquietante, pero no paródico ni caricaturesco.

Lo peor: 1) El final, tan previsible por una parte como precipitado por otra. 2) Su intento frustrado de conseguir un ambiente de cuento de hadas perverso, poner una música ad hoc no es suficiente para crearlo.

Momentazos
1. El encuentro de Gael García Bernal con su hermanastro. Una secuencia de gran impacto, muy bien resuelta, que provoca un giro inesperado en la trama.

2. Los dos amantes rezando en el pantano. Una secuencia de perversa belleza y casi un resumen de la película.

ULTRAVIOLETA

Director: Kurt Wimmer
Actores: Milla Jovovich, Cameron Bright, Nick Chinlund
Calificación: 6 /10









'Ultravioleta' dista mucho de ser una buena película, pero tampoco parece aspirar a ello. No es más que una apañada serie B de ciencia ficción, con superheroína glamourosa de protagonista, que, a pesar de sus muchos defectos, resulta mucho más simpática y divertida que otros recientes y más ambiciosos ejemplos de cine de acción con chica al frente: 'Catwoman', 'Elektra', 'Æon Flux'...

'Ultravioleta' es una mezcla anfetamínica de luchas gimnásticas a lo 'Matrix', acción coreografiada como en Hong Kong y ambientes de anime ultratecnológico; protagonizada por una Lara Croft bakala, con la determinación e instintos vengativos de Beatrix Kiddo y el glamour de pasarela de Barbarella. Película de verano para amantes de la acción delirante, el estilismo futurista y el aire acondicionado.

Lo mejor: 1) Sus ingeniosas y delirantes secuencias de acción a ritmo de tecno poligonero. 2) Milla Jovovich, casi un personaje de dibujos animados japoneses. 3) Lo poco que dura, 88 minutos.

Lo peor: 1) El guión, un desastre absoluto que acaba dando igual (más te vale). 2) La torpeza del director cuando apaga la música, desenchufa el croma e intenta mostrar los sentimientos de los protagonistas. 3) El supervillano, no está, como debería, a la altura de la protagonista.

Momentazos: Las secuencias de acción. Algunas tan disparatadas y espectaculares como el duelo final con espadas de fuego o, sobre todo, la original lucha vista a través de los reflejos de las gafas de sol que, por supuesto, llevan todos los protagonistas.

SCARY MOVIE 4

Director: David Zucker
Actores: Anna Faris, Regina Hall, Simon Rex, Leslie Nielsen
Calificación: 6 /10









Scary Movie 4', y en general todas estas películas paródicas (spoof), son como el cine porno de la risa, donde no importa el argumento y sí los gags (el equivalente a los polvos). Por tanto, una buena forma de medir su calidad es dividiendo las veces que sueltas una carcajada por el número de gags que contiene. Esto es, si el número de chistes por película es de unos 40, soltando menos de 5 carcajadas la película es mala, entre 5 y 10 es regular, entre 10 y 15 es buena, y entre 15 y 20 es muy buena. Más de 20 sería una obra maestra. Pero conseguir arrancar ese número de risotadas en menos de hora y media es (fisiológicamente) casi imposible.

'Scary Movie 4' es, para quien esto escribe, regular tirando a buena. Estaría, por tanto, entre 5 y 10 carcajadas. Dentro del irregular conjunto, con mucho gag facilón, trompazos chorras y escatología de preescolar, destacan momentos realmente divertidos: el presidente de EEUU contando chistes de extranjeros en la ONU, Tom Ryan (Cruise) declarando su amor en un talk show, el enamoramiento del protagonista mientras ella cuenta cómo limpia a la anciana que cuida, los fantasmas apareciendo en la casa mientras el japonés intenta ocultarlos, Detroit antes y después de los ataques de los alienígenas...

Lo mejor: 1) La decisión de no ceñirse sólo a la parodia de películas de terror incluyendo gags pertenecientes a la actualidad política y social. 2) Que contiene un buen número de chistes de calidad.

Lo peor: 1) Que hay demasiados chistes malos y, lo que es peor, algunos hasta repetidos, debiendo ser cortados en el montaje para no perjudicar tanto el resultado final. Se echa de menos más calidad aún a costa de una menor cantidad. 2) La publicidad "encubierta", cada vez más presente y descarada.

Momentazo: Los mejores momentos son los chistes buenos, claro está. Pero hay que destacar una secuencia muy bien resulta cinematográficamente. Es aquella donde los protagonistas se besan por primera vez. El viento empieza a mover de forma exagerada el pelo de la chica, parodiando una escena de amor cursi, hasta que te das cuenta de que el vendaval lo provoca la llegada de los alienígenas, en una parodia de 'La guerra de los mundos'. Una forma ingeniosa y elegante de continuar la narración.

PEOPLE

Director: Fabien Onteniente
Actores: José García, Rupert Everett y Ornella Muti
Calificación: 1 /10











Llega el verano. Empiezan las rebajas. Entre los saldos cinematográficos con más taras destaca 'People', (sub)producto francés que se cuela en la cartelera estival aprovechando que todo el mundo estará de vacaciones o viendo 'Superman Return'. Retrato caricaturesco, hortera y paleto del "glamour" y "ambiente" ibicenco, casi un publirreportaje de la isla, realizado con menos gusto que un anuncio de Marina D'or.

Comedia petarda, llena de humor grueso y chistes malos alargados ad nauseam (la dichosa ca-bri-ta, Rossy de Palma y su encoñamiento principesco, el adolescente toxicómano...), protagonizada por interpretes en plena decadencia (Ornella Mutti, Rossie de Palma, Rupert Everett) y con un sentido del humor que no veíamos desde los vídeos de Pajares y Esteso. A su lado las películas almodovarianas de Sabroso, Menkes y compañía son alta comedia.

Lo mejor: José García. Su retrato del excesivo y neurótico John-John es de lo poco salvable de este naufragio.

Lo peor: ¿Hay algo peor que un chiste malo? Sí, repetirlo (y repetirlo y repetirlo) creyendo que es bueno. Eso es 'People', un mal chiste sobre mariquitas de hora y media de duración.

Momentazo: Las salidas de tono del disparatado John-John, sus apariciones en la discoteca, las discusiones con su pareja, sus ataques de histeria...